Nato il 24/03/1977, è laureato in Giurisprudenza

E' stato dirigente responsabile del Settore Valorizzazione patrimonio pubblico ed espropri

At the end of the century, therefore, the family moved to Brescia, placing their residence on Piazzetta Sant'Alessandro, to the south, and building their first palace here, which was quite sober. Some time later, in the first half of the 18th century, the family, based on plans by Alfonso Torregiani, had its historic home restored, making it one of the most impressive Baroque palaces in the city. In 1787 the Martinengo family also commissioned architect Donegani to design the elegant fountain in the small Sant'Alessandro square, in harmony with the facade of the palace. 

The building passed to the Swiss Baebler family in the 1800s, who enlarged the eastern wing to balance the palace's volumes to the existing buildings on the street. Located at the corner of Via Moretto and Corso Cavour (hence the name of the MO.CA cultural centre), it features two entrance portals, flanked by white columns supporting the second-floor balconies. Originally the main entrance was from Corso Cavour: in fact, it has coupled side columns and is surmounted by a large window with the coat of arms of the two houses. The inner courtyard is enriched by a portico of Tuscan columns onto which several frescoed rooms in the neoclassical style open; on the south side the two-flight staircase, with large monochrome frescoes depicting Hercules and Jupiter, leads to the gallery of the piano nobile, overlooked by the ballroom and other reception rooms (of the Ladies and Men), decorated with stucco and illusionistic-effect frescoes that testify to the family's 18th-century splendour. The private apartments ‒ which are located on the opposite side of the gallery ‒ are diversified by decorations of different styles and eras. 

MO.CA - Centre for New Cultures 

Via Moretto 78, Brescia 

T: 030 2978831 

Jahrhunderts, ließ die Familie nach einem Entwurf von Alfonso Torregiani ihre historische Residenz restaurieren und machte sie zu einem der eindrucksvollsten Barockpaläste der Stadt. 1787 beauftragte die Familie Martinengo den Architekten Donegani mit der Gestaltung des eleganten Brunnens auf dem kleinen Platz Sant'Alessandro, der mit der Fassade des Palastes harmoniert. 

Im 19. Jahrhundert ging das Gebäude in den Besitz der Schweizer Familie Baebler über, die den Ostflügel vergrößerte, um das Volumen des Palastes mit den bestehenden Gebäuden an der Straße in Einklang zu bringen. Es befindet sich an der Ecke Via Moretto und Corso Cavour (daher der Name des Kulturzentrums MO.CA) und verfügt über zwei Eingangsportale, welche von weißen Säulen flankiert werden, die die Balkone im ersten Stock tragen. Ursprünglich befand sich der Haupteingang auf dem Corso Cavour: Er hat seitliche Doppelsäulen und ein darauf aufliegendes großes Fenster mit den Wappen der beiden Familien. Der Innenhof wird durch einen Säulengang mit toskanischen Säulen bereichert, zu dem sich mit Fresken geschmückte Räume im klassizistischen Stil öffnen. Auf der Südseite führt die zweiläufige Treppe mit großen monochromen Fresken, die Herkules und Jupiter darstellen, zur Galerie auf dem Piano Nobile, wo sich der Ballsaal und weitere Empfangsräume (der Damen und Herren) befinden, und welche mit Stuck und Fresken mit illusionistischem Effekt verziert sind, die von der Pracht der Familie im 18. Jahrhundert zeugen. Die Privatwohnungen, die sich auf der gegenüberliegenden Seite der Galerie befinden, sind durch Dekorationen verschiedener Stile und Epochen abwechslungsreich gestaltet. 

MO.CA - Zentrum für neue Kulturen 

Via Moretto 78, Brescia 

Tel: 030 2978831 

Quelque temps plus tard, dans la première moitié du XVIIIe siècle, la famille, sur la base d'un projet d'Alfonso Torregiani, fait restaurer sa demeure historique, qui est devenue l'un des palais baroques les plus impressionnants de la ville. De plus, en 1787, la famille Martinengo charge l'architecte Donegani de concevoir l'élégante fontaine de la petite place Sant'Alessandro, en harmonie avec la façade du palais. 

Au XIXe siècle, le bâtiment passe aux mains de la famille suisse Baebler, qui agrandit l'aile est afin d'équilibrer les volumes du palais avec les bâtiments existants dans la rue. Situé à l'angle de la rue Moretto et du cours Cavour (d'où le nom du centre culturel MO.CA), il possède deux portails d'entrée, flanqués de colonnes blanches soutenant les balcons du premier étage. À l'origine, l'entrée principale se trouvait sur le cours Cavour : elle comporte des colonnes latérales jumelées et est surmontée d'une grande fenêtre sur laquelle figurent les armoiries des deux familles. La cour intérieure est enrichie d'un portique à colonnes toscanes, sur lequel s'ouvrent plusieurs salles décorées de fresques en style néoclassique ; du côté sud, le grand escalier à deux volées, avec de grandes fresques monochromes représentant Hercule et Jupiter, mène à la galerie du premier étage, sur laquelle donnent la salle de bal et d'autres salles de réception (des Dames et des Hommes), décorées de stucs et de fresques à effet illusionniste qui témoignent de la splendeur de la famille au XVIIIe siècle. Les appartements privés - situés de l'autre côté de la galerie - sont diversifiés par des décorations de styles et d'époques différents. 

MO.CA - Centre pour les nouvelles cultures 

rue Moretto 78, Brescia 

Tél. 030 2978831 

A continuación, encontrará una breve lista para quienes deseen sumergirse en una experiencia artística sin coste adicional, descubriendo así algunos tesoros ocultos.  

• SUBBRIXIA, la iniciativa que difunde el arte contemporáneo en las estaciones de metro de la ciudad, se configura como un museo subterráneo en constante evolución. Esta exposición permanente "en curso" tiene como objetivo extenderse progresivamente a todas las estaciones del recorrido del metro.  

"Gothic Minerva" (Minerva gótica) , de Patrick Tuttofuoco, 2016, estación de metro de San Faustino 

El artista milanés Patrick Tuttofuoco, residente en Berlín, explora la compleja estratificación de la historia y de la ciudad de Brescia, encontrada durante la construcción del metro. Utilizando tubos de neón de colores, soplados a mano, crea una representación luminosa de figuras clave para Brescia, como las cabezas de Minerva y Claudio II El Gótico, presentes en las colecciones de los museos, y superpuestas al capitel corintio, elemento fundamental en el descubrimiento del Capitolium, hoy en día núcleo del Brixia - Parque Arqueológico de la Brescia romana. Las luces se encienden y se apagan, creando efectos evanescentes que oscilan entre la figura y la abstracción. La conexión simultánea de todos los neones enfatiza la acumulación y la estratificación, subrayando la conexión entre los elementos y la ciudad. 

"Brixia", de Marcello Maloberti, 2015, estación de metro FS; instalación por cortesía del artista y la Galería Raffaella Cortese de Milán. 

“Brixia” es el título de la obra concebida por el artista de Lodi, Maloberti, situada entre las dos escaleras mecánicas de la estación de metro de Brescia. La concepción de la obra como una señal de tráfico está estrechamente ligada a su contexto, que es una de las puertas de la ciudad. Es una escultura-objeto que se extiende verticalmente, cortando horizontalmente el espacio, descendiendo desde arriba como una lámpara de techo y convirtiéndose así en un elemento atractivo para los transeúntes. La inscripción "Brescia" está colocada al revés para simbolizar conceptualmente una segunda ciudad, la "arqueológica" que se desarrolla bajo tierra, delineando así dos ciudades especulares, una que se desarrolla en la superficie y otra, la antigua, bajo la capa perceptible del subsuelo. 

"Mind the gap", de Nathalie Du Pasquier, 2022, estación de metro Victoria. 

El artista y diseñador francés, pionero del grupo de diseño Memphis en los años ochenta y actualmente figura destacada en ámbito internacional, transforma los azulejos de cerámica, típicos del metro, en un elemento distintivo de la estación de Vittoria. Invita a los visitantes a mirar y experimentar el entorno con una nueva perspectiva, sugiriendo un cambio de ritmo en la vida cotidiana. Los coloridos azulejos Margherita diseñados por Du Pasquier para Mutina cubren las superficies, creando un arco iris cerámico que no solo es decorativo, sino que también sirve como asiento o base de apoyo. La cerámica, conocida por su durabilidad y facilidad de limpieza en lugares públicos, se convierte en una expresión artística en manos de Du Pasquier, animando a los pasajeros a entregarse a momentos de pausa y contemplación.  

"BrixiaDue", de Andreas Angelidakis, 2024, estación de metro de Bresciadue. 

El artista y arquitecto griego Andreas Angelidakis ha elegido el metro de Brescia para explorar la arquitectura como lugar de interacción social, combinando lo antiguo y lo contemporáneo en una forma de desorientación. Trabajó en la estructura de la estación, transformó los puntales de soporte y las conexiones de los muros en cuatro imponentes columnas griegas, ofreciendo un irónico viaje en el tiempo. Inspirándose en la estratificación del tiempo en las profundidades del subsuelo, Angelidakis muestra la antigua Brixia en su contexto moderno. Las columnas, revestidas de lana de roca y PVC, encarnan el concepto de "ruinas blandas", y representan la naturaleza siempre en evolución de la realidad. Angelidakis, que se define como un "arquitecto que no construye", desestructura la vida contemporánea a partir de la arquitectura antigua. La serie "ruinas blandas", con columnas de gomaespuma y PVC, se sitúa entre el espacio digital y el analógico. Como arquitecto tradicional, Angelidakis ha abrazado experiencias virtuales, influyendo su investigación en obras como BrixiaDue, donde las columnas de acero expresan el tiempo no lineal y la continua transformación de la realidad. 

“Incancellabile Vittoria” (Imborrable Victoria), de Emilio Isgrò, 2020, estación de metro FS  

"Incancellabile Vittoria", de Emilio Isgrò, es un homenaje monumental a la estatua de la Victoria alada, compuesto por 205 paneles fresados de fibrocemento en una superficie de 200 metros cuadrados. En la instalación se define el perfil del cuerpo de la diosa romana con tachaduras, características de su lenguaje expresivo.  

La silueta de la diosa romana, perfilada en rojo y reconocible por sus alas y la posición elevada de sus brazos, emerge de una retícula mayor formada por tachaduras negras sobre un pasaje de La Eneida de Publio Virgilio Marón, poeta clásico que probablemente frecuentó estas zonas, ya que nació en la zona de Mantua, no muy lejos de Brescia. Este es el autor de la obra maestra literaria que narra la fundación de Roma, su grandeza y la de su imperio, del que Brixia (la antigua Brescia) fue una de las ciudades más importantes.  

El proyecto, donado a la ciudad, representa una nueva puerta de entrada simbólica y cultural. La obra, inspirada en la estratificación del tiempo y en la figura de la diosa romana, ofrece un mensaje de fortaleza y unidad social en una época complicada como la de la pandemia. Isgrò, vinculado a Brescia por una relación de muchos años, quería contribuir al renacimiento de la ciudad a través de su arte. Isgrò reconoce la historia de Brescia, subrayando que, puesto que en el pasado la Victoria alada era un símbolo de unidad nacional, hoy en día la obra pretende inspirar un valiente reinicio.  

• POR LA CIUDAD 

“La Stele” (La Estela), de Mimmo Paladino, 2017, Plaza della Vittoria  

En la esquina suroeste de la plaza, se alza una figura humana de rasgos estilizados de 6 metros de altura, realizada en mármol español Negro Marquina. Se trata de "La Estela" de Mimmo Paladino, cuya ubicación divide y enciende el ya largo debate sobre la importancia de replantearse el significado de los símbolos de la memoria fascista en la ciudad. El pedestal sobre el que se alza la estela es, de hecho, una reconstrucción del que albergaba la "Era fascista", una estatua colocada allí en 1932 y elogiada por el Duce como síntesis figurativa del hombre del periodo fascista. Hoy, y durante los próximos 10 años, el pedestal está y estará ocupado por la Estela del gran maestro de la Transvanguardia, Mimmo Paladino: una obra que asimila los rasgos estilísticos de la Vanguardia del siglo XX y los transforma en memoria y recordatorio.  

Una obra artística realizada específicamente para el proyecto Brixia Contemporary de la Fundación Museos de Brescia y el Ayuntamiento de Brescia, que tuvo como protagonista en 2017 al artista internacional Mimmo Paladino. 

"Il peso del tiempo suspendido", de Stefano Bombardieri, 2020, plaza della Vittoria 

El rinoceronte suspendido en el cuadripórtico de la plaza della Vittoria, que forma parte de "El peso del tiempo suspendido" de Stefano Bombardieri, es una escultura emblemática y evocadora. Fabricada en fibra de vidrio, de 4 metros de largo, sujeta con tirantes convergentes, flotando a unos 3 metros por encima de la tierra que temporalmente no le pertenece, representa un peso tangible que refleja momentos de extrema alegría o dolor. La escala de grises armoniza con el mármol circundante, pero también expresa la sensación de desconcierto del hombre-animal, que busca anclaje en un mundo aparentemente desprovisto de certezas. 

La obra de Bombardieri, protagonizada por imponentes animales, evoca cuestiones sobre las reacciones humanas ante acontecimientos que desafían el precario equilibrio de la vida. Trata temas como el tiempo, la percepción, el dolor y el sentido de la existencia. La obra del rinoceronte, situada en el centro de la ciudad, se convierte en un prototipo visual y un alter ego del artista. Inspirándose en una secuencia de "E la nave va", de Fellini, Bombardieri ha creado una obra que refleja la condición humana, especialmente en un periodo marcado por la incertidumbre vinculada a la emergencia Covid. 

El rinoceronte suspendido y atrapado representa metafóricamente la condición humana de suspensión e incertidumbre; sin embargo, el artista subraya la disposición a tocar de nuevo el suelo, como el rinoceronte que, aunque esté atado, está listo para volver a poner los pies en la tierra. 

"La Luce in Tasca"(La luz en el bolsillo), del Collettivo artistico DMAV (Dalla Maschera al Volto), 2023 El proyecto del Museo Pasquali - Agazzi incluye tres obras de arte contemporáneo creadas por el Collettivo artistico DMAV, que iluminan espacios urbanos en honor de Rosa y Carolina Agazzi, influyentes pedagogas de finales del siglo XIX y principios del XX, que contribuyeron al desarrollo de la didáctica y la pedagogía de la escuela infantil en Italia y en el extranjero. 

El lenguaje artístico contemporáneo se utiliza para realzar la historia de la pedagogía, con reelaboraciones gráficas del Colectivo DMAV. Las obras, distribuidas en tres lugares significativos en la vida de las hermanas Agazzi, crean un viaje poético y físico. Cada obra resume elementos clave de su pensamiento pedagógico, centrándose en la centralidad de las "pequeñas cosas" concretas y materiales del proceso educativo. 

• "Pequeñas cosas para hacerse grandes", via Veronica Gambara 3, Liceo Veronica Gambara, llama la atención sobre lo concreto, haciendo hincapié en la importancia del material deconstruido y de los "trastos" que captan el interés de los niños, algo esencial para un viaje educativo.  

• "NaturaAnima”, via Brigida Avogadro, 23, Instituto Artigianelli, cerca del lugar donde vivía la familia Agazzi. El neón juega con la escritura alternada de naturaleza y alma, dos conceptos totalmente entrelazados en la pedagogía Agazzi, en la que el ser en su totalidad en contacto con la naturaleza encuentra su máxima expresión. 

•  La instalación 'IONOI’, via Ambaraga, en la parte posterior de la rectoría de la Iglesia de Santa Maria in Mompiano, donde en 1895 Carolina entró por primera vez con 100 niños en el lugar en donde la pedagogía Agazzi comenzó a consolidarse. El neón nos recuerda que la infancia es siempre la apertura de un espacio social y la construcción de un mundo común: una dimensión en la que el yo y los demás, unidos en el entramado del nosotros, dan forma y sentido a la realidad. 

"Piedra y árbol de Giuseppe Penone, 1976, Viale Venezia 
Un notable ejemplo de arte pobre, creado por Penone para la exposición "Arte y medioambiente", está instalado en el parque Rebuffone. La obra combina una roca de Botticino con un castaño de Indias, encarnando los códigos poéticos del artista. El artista explora la combinación de cambios medioambientales y gestos humanos, superponiendo tiempo y espacio, y reflexiona sobre las posibilidades (y los límites) de la acción humana sobre la naturaleza. 

La palabra francesa "aître" (derivada de "atrium") recuerda fonéticamente al infinitivo del verbo "ser" y sugiere un lugar abierto, un terreno amplio y la disposición interna de un espacio. Esta palabra evoluciona hacia el significado de conciencia y abismo del pensamiento, superponiendo la noción de espacio físico a la de ser. Del mismo modo, Penone explora en su obra el espacio en relación con el ser como existencia corpórea y percepción a través de los sentidos. 

En el interior del jardín, una piedra de Botticino colocada junto a un castaño de Indias muestra en su parte posterior unas estrías que recuerdan, de forma minimalista, las columnas de un templo dórico. A pesar de años de vandalismo, la roca muestra ahora rastros de color azul. 

La clave para entender la obra es la metamorfosis observable entre la piedra y el árbol. En cincuenta años, la distancia entre ellos ha disminuido, subrayando el paso del tiempo en milímetros. Penone añade así al ser/ aître y al espacio físico un tercer elemento, el temporal, que unirá los dos elementos que componen la instalación. 

De este modo, Penone subraya que las consecuencias de las acciones humanas también pueden surgir a largo plazo. Si se hacen conscientemente, estas acciones pueden guiar a la naturaleza hacia un acercamiento gradual a su propio ecosistema. La obra se convierte en un indicador no solo del espacio, sino también del tiempo y, por consiguiente, de la existencia. 

(Texto extraído parcialmente de Nicolò Fiammetti, en bresciaartguide.it) 

• MUSEO DE SANTA JULIA 

"Santa Giulia flotante", de Fabrizio Plessi, 2021-2023 

La obra, realizada por Fabrizio Plessi como instalación site-specific para la exposición PLESSI SPOSA BRIXIA, forma parte ahora de las colecciones permanentes del museo gracias a la donación del artista. 

Situada junto a "Santa Giulia crucificada", escultura del siglo XVII atribuida a Giovanni Carra, el artista ha reproducido digitalmente la figura femenina mediante una compleja fotogrametría, centrándose en el drapeado esculpido como forma expresiva y cambiante, que simboliza el flujo del tiempo y de la historia. 

La obra forma parte de un complejo trabajo multimedial en el que Plessi utiliza tecnología avanzada para reinterpretar esculturas clásicas y proyectarlas junto a las originales. La tecnología se convierte así en un activador icónico, que despierta la mirada distraída de los visitantes de las exposiciones y saca a la luz lo que parece congelado y olvidado. 

Centrándose en la iconografía de Santa Giulia, Plessi afirma: "Quiero darle vida, hacer que se mueva con el viento, como si estuviera aquí", invitándonos a reflexionar sobre el eterno mensaje de la historia que encierra este bien histórico y artístico. Exaltando la obra con un lenguaje contemporáneo, el artista explora temas como la fuerza de la fe, el drama del sacrificio y la capacidad del arte para superar el final de las cosas materiales. gracias a su impulso trascendental. 

• VIRIDARIUM – Parque de esculturas, Museo de Santa Giulia 

Arte contemporáneo en el Viridarium: los espacios verdes del exterior de la domus, embellecidos con especies arbóreas muy extendidas y utilizadas en época romana con fines ornamentales, culinarios o terapéuticos, albergan instalaciones de arte contemporáneo que se han ido adquiriendo a lo largo de los años: El terzo paradiso (2015), de Michelangelo Pistoletto; We started with a Flame (2019), de Ariel Schlesinger; Formiamo umanità (Vidas laboriosas) (2023), de Valerio Rocco Orlando, y Mondo d’acciaio (2023), de Emilio Isgrò. 

"El terzo paradiso” (El tecer paraíso) de Michelangelo Pistoletto, 2015 

El término "paraíso", del persa antiguo, significa "jardín protegido" La historia de la humanidad ha conocido dos paraísos: el primero, gobernado enteramente por la naturaleza; el segundo, un paraíso artificial forjado por la inteligencia humana a lo largo de los siglos, que aporta mejoras a la vida humana pero también conflictos con el mundo natural. Michelangelo Pistoletto concibe El tercer paraíso como una búsqueda de reconciliación entre polaridades opuestas, como la naturaleza y el artificio, que solo puede lograrse mediante la responsabilidad social colectiva. 

La instalación de Pistoletto conecta restos antiguos de piedra en el suelo con finas láminas de aluminio en la pared, creando un diálogo simbólico entre el arte del pasado (representado por los restos romanos) y el del presente (simbolizado por el acero inoxidable). El primer círculo evoca el paraíso en el que la humanidad estaba integrada en la naturaleza, mientras que el segundo representa el paraíso artificial, resultado de la inteligencia humana con necesidades, productos y placeres artificiales. 

El tercer Paraíso, en el centro, simboliza la conjunción de los dos anteriores, proponiendo una nueva etapa de civilización del planeta en la que naturaleza y artificio coexisten en equilibrio. Esta condición es crucial para garantizar la supervivencia humana, delineando una visión de armonía y equilibrio entre ambas fuerzas. 

" We started with a Flame ", de Ariel Schlesinger, 2019, cortesía de la Galería Massimo Minini 

En el jardín del Viridarium hay un árbol de bronce de 7 metros de largo del artista contemporáneo israelí Ariel Schlesinger. Se trata de una escultura de bronce que representa un gran caqui con ramas nudosas. Se titula We started with a flame, que significa “Empezamos con una llama”. Schlesinger desea que este árbol, que imagina que ha sobrevivido a un acontecimiento destructivo, represente la fuerza de la naturaleza que arde, pero que nunca se quema. Entre las toneladas de materia arde una llama diminuta e inagotable que ni siquiera puede arañar la corteza. La obra combina la investigación constante sobre la transformación de un acontecimiento de negativo en positivo, la explotación de algo ordinario como posibilidad creativa, un deseo inédito de confrontación con la escultura de grandes dimensiones que nunca pierde de vista el valor de la sorpresa.  

 
“FORMIAMO UMANITÀ” (Formamos humanidad) por Valerio Rocco Orlando, 2022 

“Formamos humanidad" es una escultura de luz perteneciente al proyecto artístico "Vite operose" (Vidas laboriosas) de Valerio Rocco Orlando, desarrollado en la provincia de Brescia. La región destaca por su multiculturalismo e inclusión de nuevos ciudadanos, especialmente a través del empleo. Iniciado en 2012 por la Fundación Museos de Brescia en colaboración con la Asociación Amici del FAI e Arte, el proyecto tiene como objetivo integrar a los nuevos residentes a través del conocimiento del patrimonio artístico local. 

A partir de cursos de formación para mediadores artístico-culturales, el proyecto implicó a ciudadanos italianos y extranjeros, fomentando la integración y el diálogo intercultural. Valerio Rocco Orlando colaboró con este grupo para explorar las formas de participación social derivadas de la valorización del patrimonio cultural y el papel del trabajo en la integración social. 

El diálogo dio lugar a un taller creativo en el que cada participante propuso frases significativas. Orlando seleccionó la más emblemática, "FORMAMOS HUMANIDAD", y la convirtió en una escultura de neón, hecha a mano en una edición única. Esta obra, que forma parte de un ciclo que incluye instalaciones en la torre del Castillo Berlucchi de Borgonato y en el patio de la GAMeC de Bérgamo, encarna el papel del arte como lenguaje universal que facilita el diálogo entre diferentes culturas, promoviendo la formación de una humanidad compartida a través del arte. 

“Mondo d’acciaio” (Mundo de acero) de Emilio Isgrò, 2024 

La obra de Emilio Isgrò concluye el viaje artístico que comenzó con las instalaciones temporales de Isgrò Cancella Brixia en el formato "Escenarios arqueológicos". Esta obra, situada en el Viridarium - Parque de Esculturas de Santa Giulia, representa un imponente globo terráqueo en acero de 4 metros de diámetro. Aparece en el césped de la colina verde orientada al norte, el "Mundo de acero" dialoga de forma equilibrada con el espacio monumental que lo rodea. 

La bola del mundo, similar a una pelota sujeta al suelo por el eje terrestre, presenta superficies terrestres opacas. Emilio Isgrò utiliza su característica técnica de borrado para cubrir los nombres de las ciudades en los meridianos y paralelos de acero macizo, destacando solo el nombre de Brescia, que aparece con su nombre en latín, Brixia. Este gesto simbólico indica que solo esta ciudad puede resistir al olvido del borrado, representando la fuerza de sus raíces romanas y su capacidad para sobrevivir en la historia. 

El maestro, profundamente implicado en la valorización del patrimonio arqueológico de Brescia desde 1957, se cuestiona la determinación de los orígenes en la historia y reivindica el papel fundamental de Brescia en este contexto. La obra de Isgrò dota a la ciudad de una historia autónoma e inconfundible, reconociendo el modo en el que Brescia ha protegido su pasado al tiempo que mantenía un diálogo constante con la contemporaneidad. El profundo vínculo de Brixia con la romanidad se celebra como una comunidad cultural y civil excepcional, reflejo de su condición de patrimonio de la UNESCO en un espacio arqueológico histórico. 

• CASTILLO DE BRESCIA 

"Scimpanzé” (Chimpancé), de Davide Rivalta, 2023 

 
Las esculturas animalier de Rivalta, creadas especialmente para el Castillo de Brescia con motivo de la exposición Sogni di gloria (Sueños de gloria), reproducen animales, fotografiados en parques zoológicos: cuerpos en cautividad, desarraigados de su entorno natural, a los que Rivalta devuelve dignidad y vida en un nuevo contexto. Las esculturas configuran la imagen de un mundo nuevo, en el que el paisaje creado por el hombre, el parque del Castillo que, entre otras cosas, fue el emplazamiento de un parque zoológico hasta 1988, se convierte en el territorio del animal, una especie de reino de simios antropomórficos. 

El grupo de chimpancés que quedó tras la conclusión de la exposición ocupa plácidamente la Fossa dei Martiri, en la zona norte del torreón visconteo. 

Estos primates toman posesión de los espacios, pero a veces expresan la intención de querer invadir otros nuevos, un deseo de conquistar y extender su dominio sobre el lugar. El título de la exposición, Sueños de gloria, hacía referencia precisamente a este impulso que sugieren las posturas de los animales y sus hipotéticos movimientos y trayectorias, a través de los cuales el espacio real se convierte también en el campo energético de la escultura.  

• CEMENTERIO MONUMENTAL VANTINIANO 

“Cacciati dal paradiso” (Expulsados del paraíso) por Giuseppe Bergomi, 2023 

La obra de Giuseppe Bergomi se erige como monumento conmemorativo a las víctimas del Covid-19 a lo largo de la avenida principal del cementerio Vantiniano. Esta obra, concebida y realizada por el célebre artista bresciano Giuseppe Bergomi, figura entre las creaciones más relevantes sobre el tema en el panorama artístico internacional. 

El artista ha moldeado seis figuras femeninas y seis masculinas en bronce negro, representándolas con la cabeza inclinada, desnudas y vulnerables, para representar la soledad inherente a la humanidad ante la adversidad, especialmente ante la fuerza devastadora de la pandemia y otros acontecimientos imprevistos que provocan sufrimiento y luto. 

En el núcleo central de la composición, aparecen dos figuras con un grito de dolor, recordando la iconografía de la "Expulsión de Adán y Eva del Paraíso terrenal", fresco pintado por Masaccio en la Capilla Brancacci, dentro de la iglesia de Santa María del Carmine de Florencia. Esta elección iconográfica confiere a la obra una intensidad simbólica que subraya el trágico destino compartido por las víctimas del virus y su lacerante separación de su armonía original.

Hier ist eine kurze Liste für diejenigen, die ohne zusätzliche Kosten in eine künstlerische Erfahrung eintauchen und dabei einige verborgene Schätze entdecken möchten.  

• SUBBRIXIA, die Initiative zur Verbreitung zeitgenössischer Kunst in den U-Bahn-Stationen der Stadt hat die Form eines sich ständig weiterentwickelnden unterirdischen Museums. Diese Dauerausstellung in progress soll nach und nach auf alle Stationen der U-Bahn-Strecke ausgedehnt werden.  

Gotische Minerva, von Patrick Tuttofuoco, 2016, U-Bahn-Station San Faustino 

Der in Berlin lebende Mailänder Künstler Patrick Tuttofuoco erforscht die komplexe Schichtung der Geschichte und der Stadt Brescia, die er beim Bau der U-Bahn vorgefunden hat. Mit farbigen, mundgeblasenen Neonröhren schafft er eine leuchtende Darstellung von Schlüsselfiguren für Brescia, wie den Köpfen von Minerva und Claudius II. dem Goten, die in den Museumssammlungen vorhanden sind. Hinzu zählt das korinthische Kapitell, ein Schlüsselelement für die Entdeckung des Capitolium, heute Angelpunkt des Brixia - Archäologischer Park des römischen Brescia. Die Lichter schalten sich ein und aus und erzeugen Fading-Effekte zwischen Form und Abstraktion. Die gleichzeitige Verbindung aller Neons unterstreicht die Akkumulation und Schichtung und hebt den Zusammenhang zwischen den Elementen und der Stadt hervor. 

Brixia, von Marcello Maloberti, 2015, U-Bahn-Station am Bahnhof; Installation mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und der Raffaella Cortese-Galerie von Mailand. 
 
Brixia" ist der Titel des Werks von dem Künstler Maloberti aus Lodi, das zwischen den beiden Rolltreppen der U-Bahn-Station am Bahnhof Brescias steht. Die Konzeption des Werks als Straßenschild ist eng mit seinem Kontext verbunden, der eines der Stadttore ist. Es handelt sich um ein skulpturales Objekt, das sich vertikal ausdehnt, den Raum horizontal durchschneidet, wie ein Kronleuchter von oben herabhängt und als attraktives Element für Passanten wirkt. Der Schriftzug „Brescia" ist umgekehrt gestellt, um konzeptionell eine zweite Stadt zu symbolisieren - die „archäologische" Stadt, die sich unterirdisch entwickelt - und damit zwei spiegelbildlich erscheinende Städte abzugrenzen, eine, die sich an der Oberfläche entwickelt, und die andere, antike, unter der wahrnehmbaren Schicht. 
 

Mind the gap, von Nathalie Du Pasquier, 2022, U-Bahn-Station Vittoria  

Die französische Künstlerin und Designerin, die in den 1980er Jahren zu den Pionieren der Designgruppe Memphis gehörte und heute zu den führenden internationalen Persönlichkeiten zählt, verwandelt die für U-Bahnen typischen Keramikfliesen in ein unverwechselbares Element der U-Bahn-Station Vittoria. Sie lädt die Besucher dazu ein, ihre Umgebung aus einem neuen Blickwinkel zu betrachten und zu erleben, und suggeriert einen Tempowechsel im Alltag. Die farbenfrohen Margherita-Fliesen, die Du Pasquier für Mutina entworfen hat, bedecken die Oberflächen und bilden einen Keramik-Regenbogen, der nicht nur dekorativ ist, sondern auch als Sitz- oder Stellfläche dient. Keramik, die für ihre Langlebigkeit und einfache Reinigung an öffentlichen Plätzen bekannt ist, wird in den Händen von Du Pasquier zu einem künstlerischen Ausdruck, der die Fahrgäste zu Momenten des Innehaltens und des Betrachtens anregt.  

BrixiaDue, von Andreas Angelidakis, 2024, U-Bahn-Station Bresciadue. 
 
Der griechische Künstler und Architekt Andreas Angelidakis hat die U-Bahn von Brescia gewählt, um die Architektur als Ort der sozialen Interaktion zu erforschen, indem er das Alte und das Zeitgenössische in einer Form der Desorientierung verbindet. Bei der Arbeit an der Struktur der U-Bahn-Station verwandelte er die tragenden Streben und Wände in vier imposante griechische Säulen, die eine ironische Reise durch die Zeit darstellen. Inspiriert von den Zeitschichten in den Tiefen des Untergrunds, zeigt Angelidakis das alte Brixia in seinem modernen Kontext. Die mit Steinwolle und PVC verkleideten Säulen verkörpern das Konzept der soft ruins und stehen für die ständige Veränderung der Realität. Angelidakis, der sich selbst als „Architekt, der nicht baut" bezeichnet, strukturiert das zeitgenössische Leben anhand antiker Architektur um. Die Serie soft ruins mit Säulen aus Schaumgummi und PVC steht zwischen dem digitalen und dem analogen Raum. Als traditioneller Architekt hat Angelidakis virtuelle Erfahrungen angenommen, die seine Forschung in Werken wie BrixiaDue beeinflussen, wo Stahlsäulen die nichtlineare Zeit und den kontinuierlichen Veränderungsprozess der Realität ausdrücken. 
 
 

Victoria, die man nicht auslöschen kann, von Emilio Isgrò, 2020, U-Bahn-Station am Bahnhof  
 

„Incancellabile Vittoria“ von Emilio Isgrò ist eine monumentale Hommage an die Statue der geflügelten Siegesgöttin, die aus 205 gefrästen Faserzementplatten auf einer Fläche von 200 Quadratmetern besteht. Die Installation zeichnet die Umrisse der römischen Göttin durch Streichungen nach, die für seine Ausdrucksweise charakteristisch sind.  
Die rot gestrichelte Silhouette der römischen Göttin, die an ihren Flügeln und erhobenen Armen zu erkennen ist, tritt aus einem größeren Raster hervor, das aus schwarzen durchgestrichenen Stellen auf einer Passage aus der Aeneis von Publius Vergileus Maro besteht, einem klassischen Dichter, der sich wahrscheinlich in diesem Gebiet aufhielt, da er in der Gegend von Mantua, nicht weit von Brescia, geboren wurde, und Autor des literarischen Meisterwerks, das von der Gründung Roms, seiner Größe und der seines Reiches erzählt, in dem Brixia (das antike Brescia) eine der wichtigsten Städte war.   
Das Projekt, das der Stadt geschenkt wurde, stellt ein neues symbolisches und kulturelles Eingangstor dar. Das vom Konzept der Zeitschichten und der Figur der römischen Göttin inspirierte Werk, vermittelt eine Botschaft der Stärke und des sozialen Zusammenhalts in einer schwierigen Zeit wie der Coronavirus-Pandemie. Isgrò, der eine langjährige Beziehung zu Brescia hat, wollte mit seiner Kunst zur Wiedergeburt der Stadt beitragen. Isgrò würdigt die Geschichte Brescias und betont, dass wie die geflügelte Siegesgöttin in der Vergangenheit ein Symbol der nationalen Einheit war, so soll das Werk heute zu einem mutigen Neubeginn inspirieren.  

• AUF DEN STRAßEN 

Die Stele, von Mimmo Paladino, 2017, Piazza della Vittoria  

In der südwestlichen Ecke des Platzes steht eine 6 m hohe menschliche Figur mit stilisierten Gesichtszügen aus spanischem Nero Marquina-Marmor. Es handelt sich dabei um Mimmo Paladinos „La Stele", deren Standort umstritten ist und die die seit Langem geführte Debatte über die Bedeutung der Erinnerung an die Symbole des Faschismus in der Stadt entfacht. Der Sockel, auf dem die Stele liegt, ist in der Tat eine Rekonstruktion des Sockels, auf dem die „Faschistische Ära" stand, eine Statue, die 1932 aufgestellt und vom Duce als bildliche Synthese des „Mannes der Zwanzig Jahre" gepriesen wurde. Heute und in den nächsten 10 Jahren wird der Sockel von der Stele des großen Transavantgarde-Meisters Mimmo Paladino eingenommen: Ein Werk, das die stilistischen Merkmale der Avantgarde des 20. Jahrhunderts aufnimmt und in Erinnerung und Mahnung verwandelt.  
Ein künstlerisches Werk, das eigens für das Projekt Brixia Contemporary der Fondazione Brescia Musei und der Gemeinde Brescia geschaffen wurde, dessen Protagonist 2017 der internationale Künstler Mimmo Paladino war. 
 

Das Gewicht der Zeit im Ungewissen, von Stefano Bombardieri, 2020, Piazza della Vittoria 

Das schwebende Nashorn im Quadriportico an der Piazza della Vittoria, Teil von Stefano Bombardieris „Il peso del tempo sospeso“, ist eine emblematische und eindrucksvolle Skulptur. Sie ist aus Fiberglas gefertigt, 4 Meter lang, an zusammenlaufenden Seilen aufgehängt und schwebt etwa 3 Meter über jener Erde, der sie vorübergehend nicht angehört. Sie stellt ein greifbares Gewicht dar, das Momente extremer Freude oder Schmerzen widerspiegelt. Die Grautöne harmonisieren mit dem umliegenden Marmor, drücken aber auch das Gefühl der Verwirrung des Mensch-Tieres aus, das in einer scheinbar unsicheren Welt Halt sucht. 

Bombardieris Arbeiten mit imposanten Tieren werfen Fragen über menschliche Reaktionen auf Ereignisse auf, die das unstabile Gleichgewicht des Lebens in Frage stellen. Es geht um Themen wie Zeit, Wahrnehmung, Schmerz und den Sinn unserer Existenz. Das Nashorn im Stadtzentrum wird zu einem visuellen Prototyp und einem Alter Ego des Künstlers. Inspiriert von einer Sequenz aus Fellinis „E la nave va“ hat Bombardieri ein Werk geschaffen, das die menschliche Befindlichkeit widerspiegelt, insbesondere in einer Zeit, die von der Unsicherheit im Zusammenhang mit dem Covid-Notstand geprägt ist. 

Das schwebende und festsitzende Nashorn steht metaphorisch für den menschlichen Zustand des Schwebens und der Ungewissheit; der Künstler betont jedoch die Bereitschaft, den Boden wieder zu berühren, wie das Rhinozeros, das zwar festsitzt, aber bereit ist, seine Füße wieder auf den Boden zu setzen. 

Licht in der Tasche, von Collettivo Artistico DMAV (Dalla Maschera al Volto - Maske und Gesicht), 2023  

Das Projekt des Museo Pasquali - Agazzi umfasst drei vom Collettivo Artistico DMAV geschaffene zeitgenössische Kunstwerke, welche zu Ehren von Rosa und Carolina Agazzi, einflussreichen Pädagoginnen des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts, die zur Entwicklung der Kindergarten-Didaktik und -Pädagogik in Italien und im Ausland beigetragen haben, städtische Räume beleuchten. 

Die Geschichte der Pädagogik wird durch eine zeitgenössische künstlerische Sprache ergänzt, die vom DMAV grafisch aufgearbeitet wird. Die Werke, die auf drei wichtigen Orten in der Biografie der Agazzi-Schwestern verteilt sind, bilden eine poetische und physische Reise. Jedes Werk fasst Schlüsselelemente ihres pädagogischen Denkens zusammen und konzentriert sich auf die zentrale Bedeutung konkreter und materieller „kleiner Dinge" im Bildungsprozess. 

• Kleine Dinge, um groß zu werden, Via Veronica Gambara, 3, Liceo Veronica Gambara, , lenkt die Aufmerksamkeit auf das Konkrete und unterstreicht die Bedeutung von dekonstruiertem Material und „Gerümpel", das das Interesse der Kinder weckt, was für eine Bildungsreise unerlässlich ist.  

• NaturaAnima, Via Brigida Avogadro, 23, Istituto Artigianelli, in der Nähe des Ortes, an dem die Agazzis lebten. Neon spielt mit dem abwechselnden Schreiben von Natur und Seele, zwei Begriffe, die in Agazzis Pädagogik, in der das Sein in seiner Ganzheit im Kontakt mit der Natur seinen höchsten Ausdruck findet, völlig miteinander verwoben sind. 

• Die Installation IONOI" in der Via Ambaraga, hinter dem Pfarrhaus der Kirche Santa Maria in Mompiano, wo Carolina 1895 mit 100 Kindern zum ersten Mal einzog und wo sich die Pädagogik von Agazzi zu festigen begann. Neon erinnert uns daran, dass Kindheit immer die Eröffnung eines sozialen Raums und die Konstruktion einer gemeinsamen Welt ist: Eine Dimension, in der das Ich und die Anderen, vereint in der Verflechtung des Wir, der Realität Form und Bedeutung verleihen. 

Stein und Baum, von Giuseppe Penone, 1976, Viale Venezia 
Ein bemerkenswertes Beispiel der Arte Povera, das Penone für die Ausstellung Kunst und Umwelt" schuf, ist im Rebuffone-Park installiert. Das Werk kombiniert einen Botticino-Felsblock mit einem Rosskastanienbaum und verkörpert die poetischen Codes des Künstlers. Der Künstler erforscht die Verbindung zwischen Umweltveränderungen und menschlichem Handeln, die sich zeitlich und räumlich überschneiden, und reflektiert über die Möglichkeiten (und Grenzen) menschlichen Handelns in der Natur. 

Das französische Wort „aître" (abgeleitet von "atrium") erinnert phonetisch an den Infinitiv des Verbs „sein" und suggeriert einen offenen Ort, einen offenen Boden und die innere Anordnung eines Raums. Dieses Wort entwickelt sich zur Bedeutung des Bewusstseins und des Abgrunds der Gedanken und überlagert den Begriff des physischen Raums mit dem des Seins. In ähnlicher Weise untersucht Penone in seinem Werk den Raum im Zusammenhang mit dem Sein als körperlicher Existenz und der Wahrnehmung durch die Sinne. 

Im Inneren des Gartens zeigt ein neben einer Rosskastanie platzierter Botticino-Felsblock auf der Rückseite Rillen, die in minimalistischer Form an die Säulen eines dorischen Tempels erinnern. Aufgrund jahrelangen Vandalismus zeigt der Felsblock heute Spuren von Blau. 

Der Schlüssel zum Verständnis des Werks ist die beobachtbare Metamorphose zwischen dem Felsbrocken und dem Baum. Über einen Zeitraum von  fünfzig Jahren hat sich der Abstand zwischen ihnen verringert, was den Lauf der Zeit in Millimetern verdeutlicht. Penone fügt also dem Sein/aître und dem physischen Raum ein drittes Element hinzu, das zeitliche, das die beiden Bestandteile der Installation miteinander verbindet. 

Auf diese Weise unterstreicht Penone, dass die Folgen menschlicher Handlungen auch langfristig auftreten können. Wenn sie bewusst durchgeführt werden, können diese Handlungen die Natur zu einer allmählichen Annäherung an ihr eigenes Ökosystem führen. Das Werk wird nicht nur zum Indikator für den Raum, sondern auch für die Zeit und damit für die Existenz. 

(Text zum Teil von Nicolò Fiammetti in bresciaartguide.it übernommen) 

• MUSEO SANTA GIULIA 

Floating Santa Giulia, von Fabrizio Plessi, 2021-2023 
 

Das Werk, das von Fabrizio Plessi als ortsspezifische Installation für die Ausstellung PLESSI SPOSA BRIXIA geschaffen wurde, ist dank der Schenkung des Künstlers nun Teil der ständigen Sammlungen des Museums. 

Neben die „Santa Giulia crocifissa" gelegt, eine Giovanni Carra zugeschriebene Skulptur aus dem 17. Jahrhundert, hat der Künstler die weibliche Figur mittels komplexer Photogrammetrie digital reproduziert, wobei er sich auf die gemeißelte Draperie als sprechende und sich verändernde Form konzentriert, die den Fluss der Zeit und der Geschichte symbolisiert. 

Das Werk ist Teil eines komplexen multimedialen Projekts, bei dem Plessi fortgeschrittene Technologien einsetzt, um klassische Skulpturen neu zu interpretieren und sie neben die Originale zu projizieren. Die Technologie wird so zu einem ikonischen Aktivator, der den abgelenkten Blick der Ausstellungsbesucher weckt und das scheinbar Erstarrte und Vergessene ans Licht bringt. 

Mit Blick auf die Ikonographie von Santa Giulia erklärt Plessi: „Ich möchte ihr Leben einhauchen, sie im Wind bewegen, als ob sie noch da wäre", und lädt uns ein, über die ewige Botschaft der Geschichte nachzudenken, die in diesem historischen und künstlerischen Gut enthalten ist. Indem er das Werk mit einer zeitgenössischen Sprache anreichert, erforscht der Künstler Themen wie die Kraft des Glaubens, die Dramatik des Opfers und die Fähigkeit der Kunst, das Ende der materiellen Dinge durch ihren transzendentalen Impetus zu überwinden. 

• VIRIDARIUM – Skulpturenpark, Museo Santa Giulia 

Zeitgenössische Kunst im Viridarium: Die Grünflächen außerhalb des Domus, welche mit Baumarten ausgestattet sind, die in der Römerzeit weit verbreitet waren und zu dekorativen, kulinarischen oder therapeutischen Zwecken verwendet wurden, beherbergen zeitgenössische Kunstinstallationen, die im Laufe der Jahre erworben wurden: Michelangelo Pistolettos Das dritte Paradies (2015), Ariel Schlesingers We started with a flame (2019), Valerio Rocco Orlandos Formiamo Umanità (Lass uns Menschheit (aus)bilden - Vite operose) (2023) und Emilio Isgròs Stahlwelt (2023). 

Michelangelo Pistolettos Das dritte Paradies, 2015 

Der Begriff „Paradies" stammt aus dem Altpersischen und bedeutet „geschützter Garten". In der Geschichte der Menschheit sind zwei Paradiese zu erkennen: Das erste, das vollständig von der Natur bestimmt wird, und das zweite, ein künstliches Paradies, das von der menschlichen Intelligenz im Laufe der Jahrhunderte geschaffen wurde und Verbesserungen für das menschliche Leben, aber auch Konflikte mit der natürlichen Welt mit sich bringt. Michelangelo Pistoletto versteht das Dritte Paradies als eine Suche nach Versöhnung zwischen gegensätzlichen Polen wie Natur und Künstlichkeit, die nur durch kollektive soziale Verantwortung erreicht werden kann. 

Pistolettos Installation verbindet antike Steinrelikte auf dem Boden mit dünnen Aluminiumfolien an der Wand und schafft damit einen symbolischen Dialog zwischen der Kunst der Vergangenheit (dargestellt durch die römischen Steine) und der der Gegenwart (symbolisiert durch den Edelstahl). Der erste Kreis erinnert an das Paradies, in dem der Mensch in der Natur integriert war, während der zweite Kreis das künstliche Paradies darstellt, das Ergebnis der menschlichen Intelligenz mit künstlichen Bedürfnissen, Produkten und Vergnügen. 

Das dritte Paradies in der Mitte symbolisiert die Verbindung zwischen den vorhergehenden und schlägt eine neue Stufe der planetarischen Zivilisation vor, in der Natur und Technik in einem Gleichgewicht koexistieren. Diese Bedingung ist entscheidend für das Überleben der Menschheit und stellt eine Vision von Harmonie und Gleichgewicht zwischen beiden Kräften dar. 

We started with a flame, von Ariel Schlesinger, 2019, mit freundlicher Genehmigung der Massimo Minini-Galerie 
 
Im Garten des Viridariums steht ein 7 Meter langer Bronzebaum vom israelischen zeitgenössischen Künstler Ariel Schlesinger. Es handelt sich dabei um den Abguss eines großen Kakibaums mit arthritischen Ästen aus Bronze. Er trägt den Titel We started with a flame. Schlesinger stellt sich den Baum als einen Überlebenden eines zerstörerischen Ereignisses vor. Er will damit die Kraft der Natur darstellen, die glüht aber nicht verbrennt. Zwischen den Tonnen von Materie brennt eine winzige, unerschöpfliche Flamme, die nicht einmal die Rinde ankratzen kann.  
Das Werk verbindet die ständige Suche nach der Umwandlung eines Ereignisses vom Negativen ins Positive, die Ausnutzung des Gewöhnlichen als kreative Möglichkeit, ein beispielloses Verlangen nach Konfrontation mit der Großplastik, die den Wert der Überraschung nie aus den Augen verliert.  

 
Formiamo Umanità, von Valerio Rocco Orlando, 2022 
 

„Formiamo Umanità" ist eine Lichtskulptur im Rahmen des Kunstprojekts „Vite Operose" von Valerio Rocco Orlando, das in der Provinz Brescia stattfindet. Das Gebiet zeichnet sich durch seine Multikulturalität und die Aufnahme von Neubürgern aus, insbesondere durch die Beschäftigung. Das 2012 von der Fondazione Brescia Musei in Zusammenarbeit mit der Associazione Amici del FAI ins Leben gerufene Projekt zielt darauf ab, neue Einwohner durch das Wissen über das einheimische Kunsterbe zu integrieren. 

Das Projekt begann mit Lehrgängen im Bereich Kunst- und Kulturvermittlung und bezog italienische und ausländische Bürger ein, um die Integration und den interkulturellen Dialog zu fördern. Valerio Rocco Orlando untersuchte mit dieser Gruppe die Formen der sozialen Teilhabe, die sich aus der Aufwertung des kulturellen Erbes ergeben, sowie die Rolle der Arbeit bei der sozialen Integration. 

Der Dialog führte zu einem kreativen Workshop, in dem jeder Teilnehmer sinnvolle Sätze formulierte. Orlando wählte den sinnbildlichsten aus, „FORMIAMO UMANITÀ" (Lass uns Menschheit (aus)bilden), und verwandelte ihn in eine Neon-Lichtskulptur, die als Unikat handgefertigt wurde. Das Werk, das Teil einer Reihe ist, zu der auch Installationen auf dem Turm des Berlucchi-Schlosses in Borgonato und im Innenhof der GAMeC in Bergamo gehören, verkörpert die Rolle der Kunst als universelle Sprache, die den Dialog zwischen verschiedenen Kulturen erleichtert und eine gemeinsame Bildung durch die Kunst fördert. 
 

Stahlwelt, von Emilio Isgrò, 2024 

Das Werk von Emilio Isgrò bildet den Abschluss der künstlerischen Reise, die mit den temporären Installationen von Isgrò cancella Brixia im Format „Archäologische Etappen" begann. Dieses im Viridarium-Skulpturenpark von Santa Giulia liegende Werk ist ein imposanter Stahlglobus mit einem Durchmesser von 4 Metern. Die „Stahlwelt", die aus dem Rasen des nach Norden ausgerichteten Grünzugs hervorgeht, steht in einem ausgewogenen Dialog mit dem umgebenden monumentalen Raum. 

Der Globus, der einer Kugel ähnelt, die durch die Erdachse auf dem Boden gehalten wird, hat undurchsichtige Landflächen. Emilio Isgrò wendet seine besondere auf Streichungen basierte Technick an, um die Namen der Städte auf den Meridianen und Parallelen aus massivem Stahl zu verdecken, so dass nur noch Brescia mit seinem lateinischen Namen Brixia zu sehen ist. Diese symbolische Geste weist darauf hin, dass nur diese Stadt dem Vergessen der Auslöschung widerstehen kann, und steht für die Stärke ihrer römischen Wurzeln und ihre Fähigkeit, in der Geschichte zu überleben. 

Der Meister, der sich seit 1957 für die Aufwertung des archäologischen Erbes von Brescia tief einsetzt, stellt die Frage nach der Bestimmung der Ursprünge in der Geschichte und behauptet, dass Brescia in diesem Zusammenhang eine grundlegende Rolle spielt. Das Werk von Isgrò verleiht der Stadt eine eigene und erkennbare Geschichte und würdigt die Art und Weise, wie Brescia seine Vergangenheit geschützt hat, während es gleichzeitig einen ständigen Dialog mit der Gegenwart führt. Die tiefe Verbundenheit Brixias mit der Römerzeit wird als außergewöhnliche kulturelle und bürgerliche Gemeinschaft gefeiert, die ihren Status als UNESCO-Kulturerbe in einem historischen archäologischen Raum widerspiegelt. 

• DIE BURG VON BRESCIA 

Schimpansen, von Davide Rivalta, 2023 

 
Rivaltas Tierskulpturen, die anlässlich der Ausstellung Sogni di gloria (Träume von Ruhm und Glück) eigens für die Burg von Brescia geschaffen wurden, stellen Tiere dar, die in Parks und Zoos angetroffen und fotografiert werden: Körper in Gefangenschaft, die ihrer natürlichen Umgebung entrissen wurden und denen Rivalta in einem neuen Kontext Würde und Leben zurückgibt. Die Skulpturen sind das Bild einer neuen Welt, in der die vom Menschen geschaffene Landschaft, der Schlosspark, in dem sich bis 1988 unter anderem ein zoologischer Garten befand, zum Territorium des Tieres wird, zu einer Art Reich der anthropomorphen Affen. 

Die nach Abschluss der Ausstellung verbliebene Schimpansengruppe hält sich friedlich in der Fossa dei Martiri auf, im nördlichen Bereich des Mastio Visconteo. 

Diese Primaten nehmen Räume in Besitz, bringen aber manchmal auch die Absicht zum Ausdruck, in neue Areale einzudringen, den Wunsch, sie zu erobern und ihre Herrschaft über den Ort auszuweiten. Der Titel der Ausstellung Sogni di gloria (Träume von Ruhm und Glück) bezieht sich genau auf diesen Impuls, der durch die Haltungen der Tiere und ihre hypothetischen Bewegungen und Bahnen suggeriert wird, durch die der reale Raum auch zum Energiefeld der Skulptur wird.  

• CIMITERO MONUMENTALE - VANTINIANO  

Aus dem Paradies vertrieben, von Giuseppe Bergomi, 2023 

Das Werk von Giuseppe Bergomi steht als Mahnmal für die Opfer der Covid-19-Pandemie entlang der Hauptallee des Friedhofs Vantiniano. Das vom berühmten Brescianer Künstler Giuseppe Bergomi konzipierte und realisierte Werk zählt zu den bedeutendsten zu diesem Thema in der internationalen Kunstszene. 

Der Künstler hat sechs weibliche und sechs männliche Figuren aus schwarzer Bronze gegossen und sie mit gesenktem Kopf, nackt und verletzlich dargestellt, um die dem Menschen innewohnende Einsamkeit im Angesicht des Unglücks darzustellen, insbesondere angesichts der verheerenden Kraft der Pandemie und anderer unvorhergesehener Ereignisse, die Leid und Trauer mit sich bringen. 

Im zentralen Kern der Komposition tauchen zwei Figuren mit einem Schmerzensschrei auf, die an die Ikonographie der Cacciata dei progenitori dall’Eden (Die Vertreibung aus dem Paradies), die Masaccio im Fresko der Brancacci-Kapelle in der Kirche Santa Maria del Carmine in Florenz gemalt hat, erinnern. Diese ikonografische Wahl verleiht dem Werk eine symbolische Intensität, die das tragische Schicksal der Opfer des Virus und ihre schmerzhafte Trennung von ihrer ursprünglichen Harmonie unterstreicht. 

Voici une petite liste pour ceux qui souhaitent s'immerger dans une expérience artistique sans frais supplémentaires, découvrant ainsi quelques trésors cachés.  

• SUBBRIXIA, l'initiative qui diffuse l'art contemporain dans les stations de métro de la ville, prend la forme d'un musée souterrain en constante évolution. Cette exposition permanente en cours de réalisation a pour objectif de s'étendre progressivement à toutes les stations de la ligne du métro.  

« Gothic Minerva», de Patrick Tuttofuoco, 2016, station de métro « San Faustino » 

L'artiste milanais Patrick Tuttofuoco, résidant à Berlin, explore la stratification complexe de l'histoire et de la ville de Brescia, découverte lors de la construction du métro. À l'aide de tubes au néon colorés soufflés à la main, il crée une représentation lumineuse de figures clés de Brescia, telles que les têtes de Minerve et de Claude II le Gothique, présentes dans les collections du musée, superposées au chapiteau corinthien, élément fondamental pour la découverte du Capitole, qui est aujourd'hui le cœur du Brixia, le parc archéologique de la Brescia romaine. Les lumières s'allument et s'éteignent, créant des effets évanescents qui oscillent entre figure et abstraction. La connexion simultanée de tous les néons met l'accent sur l'accumulation et la stratification, soulignant ainsi le lien entre les éléments et la ville. 

« Brixia2 », de Marcello Maloberti, 2015, station de métro « Stazione FS » ; installation avec l'aimable autorisation de l'artiste et de la Galleria Raffaella Cortese de Milan. 
 
« Brixia » est le titre de l'œuvre conçue par l'artiste Maloberti – originaire de Lodi –, placée entre les deux escaliers roulants de la station de métro de Brescia. La conception de l'œuvre en tant que panneau routier est étroitement liée à son contexte, qui est l'une des portes de la ville. Il s'agit d'une sculpture-objet qui s'étend verticalement, en coupant horizontalement l'espace, elle descend d'en haut comme un lustre et agit comme un élément attractif pour les passants. L'inscription « Brescia » est placée à l'envers pour symboliser conceptuellement une deuxième ville, la ville « archéologique » qui se développe sous terre, délimitant ainsi deux villes spéculaires, l'une se développant à la surface et l'autre, ancienne, sous la couche perceptible. 
 

« Mind the gap3 », de Nathalie Du Pasquier, 2022, station de métro « Vittoria » 
 

L'artiste et designer française, pionnière du groupe de design Memphis dans les années 1980 et aujourd'hui figure internationale de premier plan, transforme les carreaux de céramique, typiques des métros, en un élément distinctif de la station « Vittoria ». Il invite les visiteurs à regarder et à expérimenter les lieux avec une nouvelle perspective, en suggérant un changement de rythme dans la vie de tous les jours. Les carreaux colorés Margherita conçus par Du Pasquier pour Mutina couvrent les surfaces, tout en créant un arc-en-ciel de céramique qui n'est pas seulement décoratif, mais qui sert aussi de siège ou de comptoir. La céramique, connue pour sa durabilité et sa facilité de nettoyage dans les lieux publics, devient une expression artistique dans les mains de Du Pasquier et encourage les passagers à se laisser aller à des moments de pause et de contemplation.  

« BrixiaDue », d’Andreas Angelidakis, 2024, station de métro « Bresciadue ». 
 
L'artiste-architecte grec Andreas Angelidakis a choisi le métro de Brescia pour explorer l'architecture en tant que lieu d'interaction sociale, en combinant l'ancien et le contemporain dans une forme de désorientation. En travaillant sur la structure de la gare, il a transformé les supports et les raccords de murs en quatre imposantes colonnes grecques, offrant ainsi un voyage ironique à travers le temps. Inspiré par la stratification du temps dans les profondeurs du sous-sol, Angelidakis montre l'ancienne Brixia dans son contexte moderne. Les colonnes, revêtues de laine de roche et de PVC, incarnent le concept de « ruines douces », représentant la nature changeante de la réalité. Se qualifiant lui-même d'« architecte qui ne construit pas », Angelidakis déconstruit la vie contemporaine à l'aide de l'architecture ancienne. La série des « ruines douces », avec des colonnes en caoutchouc mousse et en PVC, se situe entre l'espace numérique et l'espace analogique. En tant qu'architecte traditionnel, Angelidakis a adopté les expériences virtuelles, qui influencent ses recherches dans des œuvres telles que « BrixiaDue », où les colonnes d'acier expriment le temps non linéaire et la transformation continue de la réalité. 
 
 

« Incancellable Vittoria4 », d’Emilio Isgrò, 2020, station de métro « Stazione FS »  
 

« Incancellabile Vittoria » d'Emilio Isgrò est un hommage monumental à la statue de la Victoire ailée, composé de 205 panneaux de fibrociment fraisés sur une surface de 200 mètres carrés. L'installation redessine les contours de la déesse romaine avec des ratures, caractéristiques de son langage expressif.  
La silhouette de la déesse romaine, soulignée en rouge et reconnaissable à ses ailes et à la position relevée des bras, émerge d'une grille plus large composée de ratures noires sur un passage de l'Enéide de Virgile, poète classique qui a probablement fréquenté ces régions puisqu'il est né dans la région de Mantoue, non loin de Brescia, et auteur du chef-d'œuvre littéraire qui raconte la fondation de Rome, sa grandeur et celle de son empire dont Brixia (l'ancienne Brescia) était l'une des villes les plus importantes.   
Le projet, offert à la ville, représente une nouvelle porte d'entrée symbolique et culturelle. L'œuvre, inspirée de la stratification du temps et de la figure de la déesse romaine, offre un message de force et d'unité sociale dans une période compliquée, telle que celle vécue pendant la pandémie de la Covid-19. Isgrò, qui entretenait une relation de longue date avec Brescia, a voulu contribuer à la renaissance de la ville à travers son art. Cet artiste reconnaît l'histoire de Brescia en soulignant que, si la Victoire ailée était autrefois un symbole d'unité nationale, l'œuvre est aujourd'hui destinée à inspirer un redémarrage courageux.  

• DANS LES RUES 

« La Stele5 », de Mimmo Paladino, 2017, place Vittoria  

Une figure humaine aux traits stylisés, de 6 mètres de haut, en marbre espagnol Nero Marquina, se dresse à l'angle sud-ouest de la place. Il s'agit de « La Stele » de Mimmo Paladino, dont l'emplacement divise et relance le débat de longue date sur l'importance de la resémantisation des symboles de la mémoire fasciste dans la ville. Le piédestal sur lequel repose la stèle est en fait une reconstruction de celui qui servait de base à l’« Ère fasciste », une statue placée ici en 1932 et louée par le Duce comme une synthèse figurative de l'Homme du Ventennio. Aujourd'hui, et pour les dix prochaines années, le piédestal sera occupé par la stèle du grand maître de la Transavantgarde italienne Mimmo Paladino :  une œuvre qui assimile les caractéristiques stylistiques de l'avant-garde du XXe siècle et les transforme en mémoire et en avertissement.  
Elle a été réalisée exprès pour le projet « Brixia Contemporary » de la fondation Brescia Musei et de la municipalité de Brescia, dont l'artiste international Mimmo Paladino a été le protagoniste en 2017. 

«  Il peso del tempo sospeso6 »", de Stefano Bombardieri, 2020,  place Vittoria 

Le rhinocéros suspendu dans le Quadriportico de la placeVittoria, faisant partie de l'œuvre de Stefano Bombardieri intitulée « Le poids du temps suspendu », est une sculpture emblématique et évocatrice. Réalisée en fibre de verre, longue de 4 mètres, attachée à des tiges convergentes, flottant à environ 3 mètres au-dessus de la terre qui, temporairement, ne lui appartient pas, elle représente un poids tangible qui reflète des moments de joie ou de douleur extrêmes. La gamme de gris s'harmonise avec le marbre environnant, mais exprime également le sentiment de dépaysement de l'homme-animal, qui cherche à s'ancrer dans un monde apparemment dépourvu de certitudes. 

L'œuvre de Bombardieri, qui met en scène des animaux imposants, évoque des questions sur les réactions humaines face à des événements qui remettent en cause l'équilibre précaire de la vie. Il aborde des thèmes tels que le temps, la perception, la douleur et le sens de l'existence. L'œuvre du rhinocéros, située dans le centre-ville, devient un prototype visuel et un alter ego de l'artiste. Inspiré d’une séquence du film « E la nave va 7» de Federico Fellini, Bombardieri a créé une œuvre qui reflète la condition humaine, en particulier pendant une période marquée par l'incertitude due à l'état d’urgence lié à la Covid-19. 

Le rhinocéros suspendu et bloqué représente métaphoriquement la condition humaine de suspension et d'incertitude ;  cependant, l'artiste met l'accent sur la volonté de toucher à nouveau le sol, comme le rhinocéros qui, bien qu’il soit immobilisé, est prêt à remettre les pieds sur terre. 

« La Luce in Tasca8 », du Collettivo artistico DMAV (Dalla Maschera al Volto9), 2023  

Le projet Museo Pasquali - Agazzi comprend trois œuvres d'art contemporain créées par le Collettivo artistico DMAV, qui illuminent les espaces urbains en l'honneur de Rosa et Carolina Agazzi, deux pédagogues influentes de la fin du XIXe et du début du XXe siècle qui ont contribué au développement de la didactique et de la pédagogie des écoles maternelles en Italie et à l'étranger. 

Le langage artistique contemporain est mis au service de l'histoire de la pédagogie, avec une reprise graphique par le collectif DMAV. Les œuvres, réparties dans trois lieux significatifs de la biographie des sœurs Agazzi, créent un parcours poétique et physique. Chaque ouvrage résume les éléments clés de leur pensée pédagogique, en mettant l'accent sur l'importance des « petites choses » concrètes et matérielles dans le processus éducatif. 

• « little things to become big10 », au numéro 3, de la rue Veronica Gambara, au lycée éponyme, attire l'attention sur le concret, en soulignant l'importance du matériel déconstruit et du  « bric-à-brac » qui capte l'intérêt des enfants, ce qui est essentiel pour un parcours éducatif.  

• « naturaAnima11 », au numéro 23 de la rue Brigida Avogadro, à l’Istituto Artigianelli, près de l'endroit où vivaient les Agazzi. Le tube au néon joue sur l'écriture alternée de la Nature et de l'Âme, deux concepts totalement imbriqués dans la pédagogie d'Agazzi, où l'Être dans sa globalité au contact de la nature trouve sa plus haute expression. 

•  L'installation « IONOI12 », rue Ambaraga, à l'arrière du presbytère de l'église Santa Maria in Mompiano, où Carolina est entrée pour la première fois en 1895 avec 100 enfants, dans ce qui est devenu le lieu où la pédagogie d'Agazzi a commencé à se consolider. Le tube au néon nous rappelle que l'enfance est toujours l'ouverture d'un espace social et la construction d'un monde commun :  une dimension dans laquelle le moi et les autres, unis dans l'entrelacement du nous, donnent forme et sens à la réalité. 

 « Pietra e Albero13 » de Giuseppe Penone, 1976, avenue Venezia 
Un exemple remarquable de l'Arte Povera, créé par Penone pour l'exposition « Art et environnement », est installé dans le parc Rebuffone. L'œuvre associe un bloc de Botticino à un marronnier d'Inde, incarnant les codes poétiques de l'artiste. L'artiste explore la combinaison des changements environnementaux et des gestes humains, en chevauchant le temps et l'espace, et réfléchit aux possibilités (et aux limites) de l'action de l'homme sur la nature. 

Le mot français  « aître » (dérivé de  « atrium ») rappelle phonétiquement l'infinitif du verbe  « être » et suggère un lieu ouvert, un terrain ouvert et l'agencement interne d'un espace. Ce mot évolue vers le sens de conscience et d'abîme de la pensée, superposant la notion d'espace physique à celle d'être. De même, Penone, dans son travail, explore l'espace en relation avec l'être en tant qu'existence corporelle et perception par les sens. 

À l'intérieur du jardin, un bloc de Botticino placé à côté d'un marronnier d'Inde présente des rainures à l'arrière qui rappellent, sous une forme minimaliste, les colonnes d'un temple dorique. Malgré des années de vandalisme, le bloc rocheux présente aujourd'hui des traces de bleu. 

La clé de la compréhension de l'œuvre est la métamorphose observable entre le rocher et l'arbre. En cinquante ans, la distance qui les sépare s'est réduite, soulignant le passage du temps en millimètres. Penone ajoute ainsi un troisième élément, à l'être et à l'espace physique c’est-à-dire l’élément temporel, qui unira les deux éléments de composition de l'installation. 

Par cette œuvre, Penone veut faire comprendre que les conséquences des actions humaines peuvent également se manifester à long terme. Si elles sont réalisées consciemment, ces actions peuvent guider la nature vers un rapprochement progressif avec son propre écosystème. L'œuvre devient un indicateur non seulement de l'espace, mais aussi du temps et, par conséquent, de l'existence. 

(Texte partiellement repris de Nicolò Fiammetti, in bresciaartguide.it) 

• MUSÉE DE SANTA GIULIA 

« Floating Santa Giulia14 », de Fabrizio Plessi, 2021-2023 

L'œuvre, créée par Fabrizio Plessi en tant qu'installation in situ pour l'exposition « PLESSI SPOSA BRIXIA », fait désormais partie des collections permanentes du musée grâce à la donation de l'artiste. 

Placée à côté de « Santa Giulia crocifissa », une sculpture du XVIIe siècle attribuée à Giovanni Carra, l'artiste a reproduit numériquement la figure féminine grâce à une photogrammétrie complexe, en se concentrant sur la draperie sculptée comme une forme parlante et changeante, symbolisant le flux du temps et de l'histoire. 

L'œuvre fait partie d'un travail multimédia complexe dans lequel Plessi utilise une technologie avancée pour réinterpréter des sculptures classiques et les projeter à côté des originaux. La technologie devient ainsi un activateur iconique, réveillant le regard distrait des visiteurs des expositions et mettant en lumière ce qui semble figé et oublié. 

En se concentrant sur l'iconographie de Santa Giulia, Plessi déclare : « Je veux lui donner vie, le faire bouger dans le vent, comme s'il était encore là », nous invitant à réfléchir au message éternel de l'histoire contenu dans ce bien historique et artistique. En enrichissant l'œuvre d'un langage contemporain, l'artiste explore des thèmes tels que le pouvoir de la foi, le drame du sacrifice et la capacité de l'art à surmonter la fin des choses matérielles grâce à son élan transcendantal. 

• VIRIDARIUM - Parc de sculptures, Musée de Santa Giulia 

L'art contemporain dans le Viridarium : les espaces verts à l'extérieur de la domus, enrichis d'essences d'arbres répandues et utilisées à l'époque romaine à des fins ornementales, culinaires ou thérapeutiques, accueillent des installations d'art contemporain acquises au fil des ans : Il Terzo Paradiso (2015) de Michelangelo Pistoletto, We started with a Flame (2019) d'Ariel Schlesinger, Formiamo umanità (Vite operose) (2023) de Valerio Rocco Orlando, et Mondo d’acciaio (2023) d'Emilio Isgrò. 

 « Il Terzo Paradiso15 », de Michelangelo Pistoletto, 2015 

Le terme « paradis », qui vient du persan ancien, signifie « jardin protégé ». L'histoire de l'humanité a connu deux paradis : le premier, entièrement régi par la nature ; le second, un paradis artificiel forgé par l'intelligence humaine au fil des siècles, apportant des améliorations à la vie humaine mais aussi des conflits avec le monde naturel. Michelangelo Pistoletto conçoit le troisième paradis comme une recherche de réconciliation entre des polarités opposées, telles que la nature et l'artifice, qui ne peut être réalisée que par une responsabilité sociale collective. 

L'installation de Pistoletto relie des vestiges de pierres anciennes au sol à de fines feuilles d'aluminium sur le mur, créant ainsi un dialogue symbolique entre l'art du passé (représenté par les pierres romaines) et celui du présent (symbolisé par l'acier inoxydable). Le premier cercle évoque le paradis dans lequel l'homme était intégré à la nature, tandis que le second représente le paradis artificiel, résultat de l'intelligence humaine avec des besoins, des produits et des plaisirs artificiels. 

Le troisième paradis, au centre, symbolise la conjonction des deux précédents et propose une nouvelle étape de la civilisation planétaire dans laquelle la nature et l'artifice coexistent en équilibre. Cette condition est cruciale pour assurer la survie de l'humanité, esquissant une vision d'harmonie et d'équilibre entre les deux forces. 

  « We started with a Flame16 », d'Ariel Schlesinger, 2019, Courtoisie Galerie Massimo Minini  
 
Dans le jardin du Viridarium se trouve un arbre en bronze de 7 mètres de long de l'artiste contemporain israélien Ariel Schlesinger. Il s'agit d'un moulage en bronze d'un grand kaki aux branches arthritiques. Il s'intitule « We started with a Flame ». Schlesinger veut que cet arbre, qu'il imagine avoir survécu à un événement destructeur, représente la force de la nature qui s’embrase mais ne brûle jamais. En effet, parmi les tonnes de matière, brûle une minuscule et inépuisable flamme qui ne peut même pas égratigner l'écorce.  
L'œuvre combine une recherche constante sur la transformation d'un événement négatif en positif, l'exploitation de quelque chose d'ordinaire comme possibilité créative, un désir inédit de confrontation avec la grande sculpture qui ne perd jamais de vue la valeur de la surprise.  

 
« Formiamo Umanità17 », de Valerio Rocco Orlando, 2022 

  « Formiamo Umanità » est une sculpture lumineuse qui fait partie du projet artistique « Vite Operose » de Valerio Rocco Orlando, organisé dans la province de Brescia. La région se distingue par son multiculturalisme et son ouverture aux nouveaux citoyens, notamment par le biais de l'emploi. Lancé en 2012 par la fondation « Brescia Musei » en coopération avec l'association « Amici del FAI e Arte », le projet vise à intégrer les nouveaux résidents grâce à la connaissance du patrimoine artistique local. 

En commençant par des cours de formation pour les médiateurs artistiques et culturels, le projet a impliqué des citoyens italiens et étrangers, promouvant l'intégration et le dialogue interculturel. Valerio Rocco Orlando a travaillé avec ce groupe pour explorer les formes de participation sociale résultant de la valorisation du patrimoine culturel et du rôle du travail dans l'intégration sociale. 

Le dialogue a débouché sur un atelier créatif au cours duquel chaque participant a formulé des phrases significatives. Orlando a sélectionné la plus emblématique,  « FORMIAMO UMANITÀ », et l'a transformée en une sculpture lumineuse au néon, fabriquée à la main en édition unique. Cette œuvre, qui fait partie d'un cycle comprenant des installations sur la tour du château Berlucchi à Borgonato et dans la cour du GAMeC à Bergame, incarne le rôle de l'art en tant que langage universel qui facilite le dialogue entre les différentes cultures etpromouvant la formation d'une humanité partagée à travers l'art. 
 

 « Mondo d’acciaio18 », d'Emilio Isgrò, 2024 

L'œuvre d'Emilio Isgrò conclut le parcours artistique qui a commencé avec les installations temporaires de « Isgrò cancella Brixia19 » dans le format « Stades archéologiques ». Cette œuvre, située dans le Viridarium - Parc de sculptures de Santa Giulia, représente un imposant globe en acier d'un diamètre de 4 mètres. Émergeant de la pelouse dans la crête verte orientée vers le nord, le   « Mondo d’acciaio » dialogue de manière équilibrée avec l'espace monumental qui l'entoure. 

Le globe, semblable à une boule fixée au sol par l'axe de la terre, présente des surfaces terrestres opaques. L’artiste utilise sa technique d'effacement particulière pour recouvrir les noms des villes sur les méridiens et les parallèles en acier massif, ne laissant en évidence que Brescia, appelée par son nom latin Brixia. Ce geste symbolique indique que seule cette ville peut résister à l'oubli de l'effacement, représentant la force de ses racines romaines et sa capacité à survivre dans l'histoire. 

Le maître, très impliqué dans la valorisation du patrimoine archéologique de Brescia depuis 1957, s'interroge sur la détermination des origines dans l'histoire et revendique le rôle fondamental de Brescia dans ce contexte. L'œuvre d'Isgrò donne à la ville une histoire autonome et identifiable, en reconnaissant la façon dont Brescia a protégé son passé tout en maintenant un dialogue constant avec la contemporanéité. Le lien profond de Brixia avec la romanité est célébré en tant que communauté culturelle et civique exceptionnelle, reflétant son statut de patrimoine de l'UNESCO dans un espace archéologique historique. 

• CHÂTEAU DE BRESCIA 

 « Scimpanzé20 », de Davide Rivalta, 2023 
Les sculptures animalières de Rivalta, créées spécialement pour le château de Brescia à l'occasion de l'exposition « Sogni di gloria21 », reproduisent des animaux rencontrés et photographiés dans des parcs et des parcs zoologiques : des corps en captivité, arrachés à leur milieu naturel, auxquels Rivalta redonne dignité et vie dans un nouveau contexte. Les sculptures configurent l'image d'un nouveau monde, dans lequel le paysage anthropisé, le parc du château, qui a été, entre autres choses, le site d'un parc zoologique jusqu'en 1988, devient le territoire de l'animal, une sorte de royaume de singes anthropomorphes. 

Le groupe de chimpanzés qui est resté après la fin de l'exposition occupe placidement la Fossa dei Martiri, dans la zone nord du donjon Visconti. 

Ces primates s'approprient des espaces, mais expriment parfois l'intention de vouloir en envahir de nouveaux, un désir de conquête et d'extension de leur domination sur le lieu. Le titre de l'exposition,  « Sogni di gloria », faisait précisément référence à cette impulsion suggérée par les postures des animaux et leurs mouvements et trajectoires hypothétiques, à travers lesquels l'espace réel devient également le champ d'énergie de la sculpture.  

• CIMETIÈRE MONUMENTAL VANTINIANO 

 « Cacciati dal Paradiso22 », de Giuseppe Bergomi, 2023 

L'œuvre de Giuseppe Bergomi est un mémorial aux victimes de la Covid-19 le long de l'avenue principale du cimetière de Vantiniano. Cette œuvre, conçue et réalisée par le célèbre artiste originaire de Brescia, compte parmi les créations les plus pertinentes sur le sujet dans le paysage artistique international. 

L'artiste a moulé six figures féminines et six figures masculines en bronze noir, les représentant la tête baissée, nues et vulnérables, afin de symboliser la solitude intrinsèque de l'humanité face à l'adversité, en particulier face à la force dévastatrice de la pandémie et d'autres événements imprévus qui apportent souffrance et deuil. 

Au centre de la composition, deux personnages émergent avec un cri de douleur, rappelant l'iconographie de l’« Expulsion du jardin d’Eden » peinte par Masaccio dans la fresque de la chapelle Brancacci, à l'intérieur de l'église Santa Maria del Carmine à Florence. Ce choix iconographique confère à l'œuvre une intensité symbolique qui souligne le destin tragique des victimes du virus et leur séparation déchirante d'avec leur harmonie originelle. 

Futura Traditio, von Vera Bugatti und Fabio Maria Fedele, 2021, Via Lino Angelo Poisa 
 

Futura Traditio" ist eine Verschmelzung der künstlerischen Bilder der Künstlerin mit den wortgewandten Erzählungen der Handwerker, die das komplexe Verhältnis zwischen Tradition und Innovation erforschen. Das Werk, eine riesige Anamorphose von Bresciadue (320 m2), ist das Ergebnis einer Zusammenarbeit mit Fabio Fedele für den Kunsthandwerkerverband und wurde der Stadt symbolisch geschenkt. 

Das Gemälde projiziert zwei imposante Figuren in einen architektonischen Rahmen, der den Eindruck erweckt, sie kämen aus einem virtuellen Raum. Die anamorphotische Perspektive erfordert es, das Werk von einem seitlich auf dem Boden liegenden Punkt aus zu fotografieren und die Straße entlang zu gehen, um die Verformung des Entwurfs auf einer Länge von 30 Metern vollständig zu erfassen. 

Der Titel „Futura Traditio" spielt auf das Oxymoron zwischen überlieferter Tradition und Zukunft an und stellt die Tradition als ein dynamisches und philosophisches Konzept dar, das über Generationen hinweg aktiv ist. Zwei Figuren, ein älterer Handwerker und eine junge Frau mit „4.0"-Werkzeugen, symbolisieren Tradition und Innovation, mit Blicken, die den Betrachter von der Straße anziehen. 

Die Weitergabe von Wissen wird durch die Übergabe einer Schachtel zwischen den beiden Figuren dargestellt, die Kontinuität und gegenseitige Unterstützung symbolisiert. Im Hintergrund stehen schwarze Silhouetten für die Handwerker der Zukunft, während weiße Figuren über dem Fenster die Arbeiter der Vergangenheit symbolisieren. 

Die Arbeiten, die ursprünglich für das Frühjahr 2020 geplant waren, wurden aufgrund der Pandemie verschoben. Bugatti hat auch das Covid-19-Thema sorgfältig eingearbeitet, indem sie mit Maske und zerknitterten Handschuhen symbolisch aus einem Werkzeugkasten steigt. Diese an einem Hammer hängenden Elemente stehen für die Solidarität und die Erfahrung der Pandemie, während ihre Präsenz zur rechten Seite des Gemäldes hin an Bedeutung gewinnt und Hoffnung, aber auch eine Warnung zur Vorsicht suggeriert. 

Wassertraum, von Vera Bugatti, 2024, Parco dell’Acqua, Largo Torrelunga 7 

„Wassertraum" von Vera Bugatti ist ein über 100 Quadratmeter großes Wandgemälde, das zwei Außenwände eines weißen Gebäudes im südlichen Teil des Parks ziert. Das Werk der aus Brescia stammenden Künstlerin zeigt eine traumhafte Wasserwelt und ist eine Hommage an alle, die sich für den Umweltschutz und die Nachhaltigkeit einsetzen. 

Das Werk zeigt eine schwebende Umgebung, die von menschlichen und tierischen Figuren bewohnt wird. Darunter sind ein alter Mann und ein kleines Mädchen, ein Seepferdchen, ein Barsch, eine Qualle und eine Schildkröte. Diese Figuren sind Metaphern: Der alte Mann steht für einen angeschlagenen und besorgten Poseidon, während das kleine Mädchen Aufmerksamkeit und Neugierde gegenüber dem Licht symbolisiert. 

Das in Anamorphose gefertigte Wandgemälde muss von einem bestimmten Punkt aus betrachtet werden, um seine Zusammensetzung richtig einschätzen zu können. Zu Beginn sind die Figuren seltsam deformiert, aber wenn man den angegebenen Blickwinkel erreicht, zeigen sie sich in der richtigen Perspektive und bieten dem Betrachter ein einzigartiges und eindringliches Erlebnis. 

Global Angel Wings Project, von Colette Miller, 2019, Innenhof der Area Docks, Via Sangervasio. 

Von Los Angeles, der Stadt der Engel, nach Brescia, mit den Flügeln, die sie in der ganzen Welt berühmt gemacht haben, kam die amerikanische Künstlerin Colette Miller nach Italien, wo sie ihr 2012 auf den Straßen der kalifornischen Stadt entstandenes Projekt brachte. Die Künstlerin, die ihre Flügel auf Mauern und Wolkenkratzern in der ganzen Welt gemalt hat - in Kenia, Australien, Europa, England, Dubai, dem World Trade Center, Japan, Kuba, Juarez in Mexiko, China und vielen anderen Orten, auch in den Vereinigten Staaten - hat in Italien Brescia für ihr Projekt ausgewählt. 

Das „Global Angel Wings Project“ hat eine besondere Mission: Es soll die Welt daran erinnern, dass wir alle Engel sind, die auf die Erde geschickt wurden. Eine Botschaft, die die Künstlerin durch Wandmalereien mit bunten Flügeln in Menschengröße zum Ausdruck bringt. Die Dimensionen und Orte werden von Colette so gewählt, dass jeder Mensch auf natürliche Weise mit dem Werk interagieren und Teil davon werden kann. Die Selfies von Menschen aus der ganzen Welt machten dieses Projekt international: Frauen, Männer, Kinder und berühmte Persönlichkeiten trugen durch ihre Fotos mit Flügeln dazu bei, die Botschaft der Künstlerin weltweit zu verbreiten.  

Das erste Paar Flügel wurde als einzige Street Art-Episode entwickelt, aber die Reaktion war natürlich, unmittelbar und spontan, von Menschen aller Art und mit unterschiedlichem Hintergrund. Colette hat ihre Flügel weltweit gemalt: Einige werden auf Auftrag angefertigt, andere werden verschenkt, aber die Flügel selbst sind frei für die Welt zu sehen. Sie gehören niemandem, nicht einmal Colette, auch wenn sie von ihr geschaffen werden. 

LINKurban - Kunstfestival  

LINK ist das urbane Kunstfestival, das von 2016 bis 2020 zahlreiche international renommierte in verschiedenen Stadtgebieten von Brescia tätige Künstler verwickelte. Die Initiative, die von der Kulturvereinigung True Quality konzipiert und organisiert wurde, war der Höhepunkt eines Projekts, an dem viele Einrichtungen der Region beteiligt waren, mit dem Ziel, die Randgebiete der Stadt neu zu beleben und sie auch kulturell wiederzuentdecken. 

Die ersten drei Ausgaben des Festivals fanden in der Nähe des U-Bahnhofs in Sanpolino statt, einem Vorort Brescias. Siebenundzwanzig Künstler waren an der Dekoration von 26 Pfeilern des städtischen Viadukts beteiligt. Das Ergebnis dieser ersten Makro-Arbeit ist eine fast einen Kilometer lange, voll nutzbare Open-Air-Kunstgalerie, die in der nationalen zeitgenössischen Kunstszene eine herausragende Stellung einnimmt. Die beteiligten Künstler sind: Hemo, Mr. Thoms, Czar, Ofelia, Giorgio Bartocci, Vesod, Macs, Geometric Bang, Yellow Fat Crew, Len, SeaCreative, G. Loois, LABA, Nootk, Camilla Falsini, Fezzi, Mr. Wany, Frederico Draw, Contra, La Fille Bertha, Hdemia SantaGiulia, Laura Micieli, Semino Bevilacqua, Etsom, Bone, Giovanni Gandolfi, Giovanni Dallospazio, Taleggio, Vera Bugatti, 108, Saddo. 

Für die 4. Ausgabe wurde das Festival weiterentwickelt: Nach den Pfeilern im Stadtgebiet Sanpolino, fokussierte sich die Veranstaltung auf große, von Künstlern gestaltete Wände in drei Stadtteilen. LINK konzentrierte sich auf die Randgebiete der Stadt, die betroffenen Stadtteile sind San Bartolomeo mit den Künstlern Vera Bugatti, Luogo Comune, Luca Zamoc, Ne Spoon und Joys; Violino mit Vesod, 108 und Camilla Falsini, und schließlich Lamarmora mit Werken der Künstler Saddo, Giovanni Dallospazio in Zusammenarbeit mit Taleggio. 

MAUA IN BRESCIA 

MAUA Brescia ist ein Freilichtmuseum, das es ermöglicht, Stadtrundgänge außerhalb des Stadtzentrums und der üblichen Kunstwege zu entdecken, mit 28 Street Art-Werken in erweiterter Realität, die man in verschiedenen Bereichen der Stadt erkunden kann.  
Vor Ort wird das Erlebnis in digitaler Form fortgesetzt: Wenn ein Werk mittels Smartphone aufgenommen wird, wandelt es sich in ein digitales Kunstwerk um, mit animierter Darstellung in erweiterter Realität. 

Ein partizipatives Projekt, an dem in jeder Stadt, in der es durchgeführt wurde, Hunderte von Menschen beteiligt waren, darunter Anwohner, Studenten, Straßenkünstler und Digital Content Creators.