Arte Contemporáneo

A continuación, encontrará una breve lista para quienes deseen sumergirse en una experiencia artística sin coste adicional, descubriendo así algunos tesoros ocultos.  

• SUBBRIXIA, la iniciativa que difunde el arte contemporáneo en las estaciones de metro de la ciudad, se configura como un museo subterráneo en constante evolución. Esta exposición permanente "en curso" tiene como objetivo extenderse progresivamente a todas las estaciones del recorrido del metro.  

"Gothic Minerva" (Minerva gótica) , de Patrick Tuttofuoco, 2016, estación de metro de San Faustino 

El artista milanés Patrick Tuttofuoco, residente en Berlín, explora la compleja estratificación de la historia y de la ciudad de Brescia, encontrada durante la construcción del metro. Utilizando tubos de neón de colores, soplados a mano, crea una representación luminosa de figuras clave para Brescia, como las cabezas de Minerva y Claudio II El Gótico, presentes en las colecciones de los museos, y superpuestas al capitel corintio, elemento fundamental en el descubrimiento del Capitolium, hoy en día núcleo del Brixia - Parque Arqueológico de la Brescia romana. Las luces se encienden y se apagan, creando efectos evanescentes que oscilan entre la figura y la abstracción. La conexión simultánea de todos los neones enfatiza la acumulación y la estratificación, subrayando la conexión entre los elementos y la ciudad. 

"Brixia", de Marcello Maloberti, 2015, estación de metro FS; instalación por cortesía del artista y la Galería Raffaella Cortese de Milán. 

“Brixia” es el título de la obra concebida por el artista de Lodi, Maloberti, situada entre las dos escaleras mecánicas de la estación de metro de Brescia. La concepción de la obra como una señal de tráfico está estrechamente ligada a su contexto, que es una de las puertas de la ciudad. Es una escultura-objeto que se extiende verticalmente, cortando horizontalmente el espacio, descendiendo desde arriba como una lámpara de techo y convirtiéndose así en un elemento atractivo para los transeúntes. La inscripción "Brescia" está colocada al revés para simbolizar conceptualmente una segunda ciudad, la "arqueológica" que se desarrolla bajo tierra, delineando así dos ciudades especulares, una que se desarrolla en la superficie y otra, la antigua, bajo la capa perceptible del subsuelo. 

"Mind the gap", de Nathalie Du Pasquier, 2022, estación de metro Victoria. 

El artista y diseñador francés, pionero del grupo de diseño Memphis en los años ochenta y actualmente figura destacada en ámbito internacional, transforma los azulejos de cerámica, típicos del metro, en un elemento distintivo de la estación de Vittoria. Invita a los visitantes a mirar y experimentar el entorno con una nueva perspectiva, sugiriendo un cambio de ritmo en la vida cotidiana. Los coloridos azulejos Margherita diseñados por Du Pasquier para Mutina cubren las superficies, creando un arco iris cerámico que no solo es decorativo, sino que también sirve como asiento o base de apoyo. La cerámica, conocida por su durabilidad y facilidad de limpieza en lugares públicos, se convierte en una expresión artística en manos de Du Pasquier, animando a los pasajeros a entregarse a momentos de pausa y contemplación.  

"BrixiaDue", de Andreas Angelidakis, 2024, estación de metro de Bresciadue. 

El artista y arquitecto griego Andreas Angelidakis ha elegido el metro de Brescia para explorar la arquitectura como lugar de interacción social, combinando lo antiguo y lo contemporáneo en una forma de desorientación. Trabajó en la estructura de la estación, transformó los puntales de soporte y las conexiones de los muros en cuatro imponentes columnas griegas, ofreciendo un irónico viaje en el tiempo. Inspirándose en la estratificación del tiempo en las profundidades del subsuelo, Angelidakis muestra la antigua Brixia en su contexto moderno. Las columnas, revestidas de lana de roca y PVC, encarnan el concepto de "ruinas blandas", y representan la naturaleza siempre en evolución de la realidad. Angelidakis, que se define como un "arquitecto que no construye", desestructura la vida contemporánea a partir de la arquitectura antigua. La serie "ruinas blandas", con columnas de gomaespuma y PVC, se sitúa entre el espacio digital y el analógico. Como arquitecto tradicional, Angelidakis ha abrazado experiencias virtuales, influyendo su investigación en obras como BrixiaDue, donde las columnas de acero expresan el tiempo no lineal y la continua transformación de la realidad. 

“Incancellabile Vittoria” (Imborrable Victoria), de Emilio Isgrò, 2020, estación de metro FS  

"Incancellabile Vittoria", de Emilio Isgrò, es un homenaje monumental a la estatua de la Victoria alada, compuesto por 205 paneles fresados de fibrocemento en una superficie de 200 metros cuadrados. En la instalación se define el perfil del cuerpo de la diosa romana con tachaduras, características de su lenguaje expresivo.  

La silueta de la diosa romana, perfilada en rojo y reconocible por sus alas y la posición elevada de sus brazos, emerge de una retícula mayor formada por tachaduras negras sobre un pasaje de La Eneida de Publio Virgilio Marón, poeta clásico que probablemente frecuentó estas zonas, ya que nació en la zona de Mantua, no muy lejos de Brescia. Este es el autor de la obra maestra literaria que narra la fundación de Roma, su grandeza y la de su imperio, del que Brixia (la antigua Brescia) fue una de las ciudades más importantes.  

El proyecto, donado a la ciudad, representa una nueva puerta de entrada simbólica y cultural. La obra, inspirada en la estratificación del tiempo y en la figura de la diosa romana, ofrece un mensaje de fortaleza y unidad social en una época complicada como la de la pandemia. Isgrò, vinculado a Brescia por una relación de muchos años, quería contribuir al renacimiento de la ciudad a través de su arte. Isgrò reconoce la historia de Brescia, subrayando que, puesto que en el pasado la Victoria alada era un símbolo de unidad nacional, hoy en día la obra pretende inspirar un valiente reinicio.  

• POR LA CIUDAD 

“La Stele” (La Estela), de Mimmo Paladino, 2017, Plaza della Vittoria  

En la esquina suroeste de la plaza, se alza una figura humana de rasgos estilizados de 6 metros de altura, realizada en mármol español Negro Marquina. Se trata de "La Estela" de Mimmo Paladino, cuya ubicación divide y enciende el ya largo debate sobre la importancia de replantearse el significado de los símbolos de la memoria fascista en la ciudad. El pedestal sobre el que se alza la estela es, de hecho, una reconstrucción del que albergaba la "Era fascista", una estatua colocada allí en 1932 y elogiada por el Duce como síntesis figurativa del hombre del periodo fascista. Hoy, y durante los próximos 10 años, el pedestal está y estará ocupado por la Estela del gran maestro de la Transvanguardia, Mimmo Paladino: una obra que asimila los rasgos estilísticos de la Vanguardia del siglo XX y los transforma en memoria y recordatorio.  

Una obra artística realizada específicamente para el proyecto Brixia Contemporary de la Fundación Museos de Brescia y el Ayuntamiento de Brescia, que tuvo como protagonista en 2017 al artista internacional Mimmo Paladino. 

"Il peso del tiempo suspendido", de Stefano Bombardieri, 2020, plaza della Vittoria 

El rinoceronte suspendido en el cuadripórtico de la plaza della Vittoria, que forma parte de "El peso del tiempo suspendido" de Stefano Bombardieri, es una escultura emblemática y evocadora. Fabricada en fibra de vidrio, de 4 metros de largo, sujeta con tirantes convergentes, flotando a unos 3 metros por encima de la tierra que temporalmente no le pertenece, representa un peso tangible que refleja momentos de extrema alegría o dolor. La escala de grises armoniza con el mármol circundante, pero también expresa la sensación de desconcierto del hombre-animal, que busca anclaje en un mundo aparentemente desprovisto de certezas. 

La obra de Bombardieri, protagonizada por imponentes animales, evoca cuestiones sobre las reacciones humanas ante acontecimientos que desafían el precario equilibrio de la vida. Trata temas como el tiempo, la percepción, el dolor y el sentido de la existencia. La obra del rinoceronte, situada en el centro de la ciudad, se convierte en un prototipo visual y un alter ego del artista. Inspirándose en una secuencia de "E la nave va", de Fellini, Bombardieri ha creado una obra que refleja la condición humana, especialmente en un periodo marcado por la incertidumbre vinculada a la emergencia Covid. 

El rinoceronte suspendido y atrapado representa metafóricamente la condición humana de suspensión e incertidumbre; sin embargo, el artista subraya la disposición a tocar de nuevo el suelo, como el rinoceronte que, aunque esté atado, está listo para volver a poner los pies en la tierra. 

"La Luce in Tasca"(La luz en el bolsillo), del Collettivo artistico DMAV (Dalla Maschera al Volto), 2023 El proyecto del Museo Pasquali - Agazzi incluye tres obras de arte contemporáneo creadas por el Collettivo artistico DMAV, que iluminan espacios urbanos en honor de Rosa y Carolina Agazzi, influyentes pedagogas de finales del siglo XIX y principios del XX, que contribuyeron al desarrollo de la didáctica y la pedagogía de la escuela infantil en Italia y en el extranjero. 

El lenguaje artístico contemporáneo se utiliza para realzar la historia de la pedagogía, con reelaboraciones gráficas del Colectivo DMAV. Las obras, distribuidas en tres lugares significativos en la vida de las hermanas Agazzi, crean un viaje poético y físico. Cada obra resume elementos clave de su pensamiento pedagógico, centrándose en la centralidad de las "pequeñas cosas" concretas y materiales del proceso educativo. 

• "Pequeñas cosas para hacerse grandes", via Veronica Gambara 3, Liceo Veronica Gambara, llama la atención sobre lo concreto, haciendo hincapié en la importancia del material deconstruido y de los "trastos" que captan el interés de los niños, algo esencial para un viaje educativo.  

• "NaturaAnima”, via Brigida Avogadro, 23, Instituto Artigianelli, cerca del lugar donde vivía la familia Agazzi. El neón juega con la escritura alternada de naturaleza y alma, dos conceptos totalmente entrelazados en la pedagogía Agazzi, en la que el ser en su totalidad en contacto con la naturaleza encuentra su máxima expresión. 

•  La instalación 'IONOI’, via Ambaraga, en la parte posterior de la rectoría de la Iglesia de Santa Maria in Mompiano, donde en 1895 Carolina entró por primera vez con 100 niños en el lugar en donde la pedagogía Agazzi comenzó a consolidarse. El neón nos recuerda que la infancia es siempre la apertura de un espacio social y la construcción de un mundo común: una dimensión en la que el yo y los demás, unidos en el entramado del nosotros, dan forma y sentido a la realidad. 

"Piedra y árbol de Giuseppe Penone, 1976, Viale Venezia 
Un notable ejemplo de arte pobre, creado por Penone para la exposición "Arte y medioambiente", está instalado en el parque Rebuffone. La obra combina una roca de Botticino con un castaño de Indias, encarnando los códigos poéticos del artista. El artista explora la combinación de cambios medioambientales y gestos humanos, superponiendo tiempo y espacio, y reflexiona sobre las posibilidades (y los límites) de la acción humana sobre la naturaleza. 

La palabra francesa "aître" (derivada de "atrium") recuerda fonéticamente al infinitivo del verbo "ser" y sugiere un lugar abierto, un terreno amplio y la disposición interna de un espacio. Esta palabra evoluciona hacia el significado de conciencia y abismo del pensamiento, superponiendo la noción de espacio físico a la de ser. Del mismo modo, Penone explora en su obra el espacio en relación con el ser como existencia corpórea y percepción a través de los sentidos. 

En el interior del jardín, una piedra de Botticino colocada junto a un castaño de Indias muestra en su parte posterior unas estrías que recuerdan, de forma minimalista, las columnas de un templo dórico. A pesar de años de vandalismo, la roca muestra ahora rastros de color azul. 

La clave para entender la obra es la metamorfosis observable entre la piedra y el árbol. En cincuenta años, la distancia entre ellos ha disminuido, subrayando el paso del tiempo en milímetros. Penone añade así al ser/ aître y al espacio físico un tercer elemento, el temporal, que unirá los dos elementos que componen la instalación. 

De este modo, Penone subraya que las consecuencias de las acciones humanas también pueden surgir a largo plazo. Si se hacen conscientemente, estas acciones pueden guiar a la naturaleza hacia un acercamiento gradual a su propio ecosistema. La obra se convierte en un indicador no solo del espacio, sino también del tiempo y, por consiguiente, de la existencia. 

(Texto extraído parcialmente de Nicolò Fiammetti, en bresciaartguide.it) 

• MUSEO DE SANTA JULIA 

"Santa Giulia flotante", de Fabrizio Plessi, 2021-2023 

La obra, realizada por Fabrizio Plessi como instalación site-specific para la exposición PLESSI SPOSA BRIXIA, forma parte ahora de las colecciones permanentes del museo gracias a la donación del artista. 

Situada junto a "Santa Giulia crucificada", escultura del siglo XVII atribuida a Giovanni Carra, el artista ha reproducido digitalmente la figura femenina mediante una compleja fotogrametría, centrándose en el drapeado esculpido como forma expresiva y cambiante, que simboliza el flujo del tiempo y de la historia. 

La obra forma parte de un complejo trabajo multimedial en el que Plessi utiliza tecnología avanzada para reinterpretar esculturas clásicas y proyectarlas junto a las originales. La tecnología se convierte así en un activador icónico, que despierta la mirada distraída de los visitantes de las exposiciones y saca a la luz lo que parece congelado y olvidado. 

Centrándose en la iconografía de Santa Giulia, Plessi afirma: "Quiero darle vida, hacer que se mueva con el viento, como si estuviera aquí", invitándonos a reflexionar sobre el eterno mensaje de la historia que encierra este bien histórico y artístico. Exaltando la obra con un lenguaje contemporáneo, el artista explora temas como la fuerza de la fe, el drama del sacrificio y la capacidad del arte para superar el final de las cosas materiales. gracias a su impulso trascendental. 

• VIRIDARIUM – Parque de esculturas, Museo de Santa Giulia 

Arte contemporáneo en el Viridarium: los espacios verdes del exterior de la domus, embellecidos con especies arbóreas muy extendidas y utilizadas en época romana con fines ornamentales, culinarios o terapéuticos, albergan instalaciones de arte contemporáneo que se han ido adquiriendo a lo largo de los años: El terzo paradiso (2015), de Michelangelo Pistoletto; We started with a Flame (2019), de Ariel Schlesinger; Formiamo umanità (Vidas laboriosas) (2023), de Valerio Rocco Orlando, y Mondo d’acciaio (2023), de Emilio Isgrò. 

"El terzo paradiso” (El tecer paraíso) de Michelangelo Pistoletto, 2015 

El término "paraíso", del persa antiguo, significa "jardín protegido" La historia de la humanidad ha conocido dos paraísos: el primero, gobernado enteramente por la naturaleza; el segundo, un paraíso artificial forjado por la inteligencia humana a lo largo de los siglos, que aporta mejoras a la vida humana pero también conflictos con el mundo natural. Michelangelo Pistoletto concibe El tercer paraíso como una búsqueda de reconciliación entre polaridades opuestas, como la naturaleza y el artificio, que solo puede lograrse mediante la responsabilidad social colectiva. 

La instalación de Pistoletto conecta restos antiguos de piedra en el suelo con finas láminas de aluminio en la pared, creando un diálogo simbólico entre el arte del pasado (representado por los restos romanos) y el del presente (simbolizado por el acero inoxidable). El primer círculo evoca el paraíso en el que la humanidad estaba integrada en la naturaleza, mientras que el segundo representa el paraíso artificial, resultado de la inteligencia humana con necesidades, productos y placeres artificiales. 

El tercer Paraíso, en el centro, simboliza la conjunción de los dos anteriores, proponiendo una nueva etapa de civilización del planeta en la que naturaleza y artificio coexisten en equilibrio. Esta condición es crucial para garantizar la supervivencia humana, delineando una visión de armonía y equilibrio entre ambas fuerzas. 

" We started with a Flame ", de Ariel Schlesinger, 2019, cortesía de la Galería Massimo Minini 

En el jardín del Viridarium hay un árbol de bronce de 7 metros de largo del artista contemporáneo israelí Ariel Schlesinger. Se trata de una escultura de bronce que representa un gran caqui con ramas nudosas. Se titula We started with a flame, que significa “Empezamos con una llama”. Schlesinger desea que este árbol, que imagina que ha sobrevivido a un acontecimiento destructivo, represente la fuerza de la naturaleza que arde, pero que nunca se quema. Entre las toneladas de materia arde una llama diminuta e inagotable que ni siquiera puede arañar la corteza. La obra combina la investigación constante sobre la transformación de un acontecimiento de negativo en positivo, la explotación de algo ordinario como posibilidad creativa, un deseo inédito de confrontación con la escultura de grandes dimensiones que nunca pierde de vista el valor de la sorpresa.  

 
“FORMIAMO UMANITÀ” (Formamos humanidad) por Valerio Rocco Orlando, 2022 

“Formamos humanidad" es una escultura de luz perteneciente al proyecto artístico "Vite operose" (Vidas laboriosas) de Valerio Rocco Orlando, desarrollado en la provincia de Brescia. La región destaca por su multiculturalismo e inclusión de nuevos ciudadanos, especialmente a través del empleo. Iniciado en 2012 por la Fundación Museos de Brescia en colaboración con la Asociación Amici del FAI e Arte, el proyecto tiene como objetivo integrar a los nuevos residentes a través del conocimiento del patrimonio artístico local. 

A partir de cursos de formación para mediadores artístico-culturales, el proyecto implicó a ciudadanos italianos y extranjeros, fomentando la integración y el diálogo intercultural. Valerio Rocco Orlando colaboró con este grupo para explorar las formas de participación social derivadas de la valorización del patrimonio cultural y el papel del trabajo en la integración social. 

El diálogo dio lugar a un taller creativo en el que cada participante propuso frases significativas. Orlando seleccionó la más emblemática, "FORMAMOS HUMANIDAD", y la convirtió en una escultura de neón, hecha a mano en una edición única. Esta obra, que forma parte de un ciclo que incluye instalaciones en la torre del Castillo Berlucchi de Borgonato y en el patio de la GAMeC de Bérgamo, encarna el papel del arte como lenguaje universal que facilita el diálogo entre diferentes culturas, promoviendo la formación de una humanidad compartida a través del arte. 

“Mondo d’acciaio” (Mundo de acero) de Emilio Isgrò, 2024 

La obra de Emilio Isgrò concluye el viaje artístico que comenzó con las instalaciones temporales de Isgrò Cancella Brixia en el formato "Escenarios arqueológicos". Esta obra, situada en el Viridarium - Parque de Esculturas de Santa Giulia, representa un imponente globo terráqueo en acero de 4 metros de diámetro. Aparece en el césped de la colina verde orientada al norte, el "Mundo de acero" dialoga de forma equilibrada con el espacio monumental que lo rodea. 

La bola del mundo, similar a una pelota sujeta al suelo por el eje terrestre, presenta superficies terrestres opacas. Emilio Isgrò utiliza su característica técnica de borrado para cubrir los nombres de las ciudades en los meridianos y paralelos de acero macizo, destacando solo el nombre de Brescia, que aparece con su nombre en latín, Brixia. Este gesto simbólico indica que solo esta ciudad puede resistir al olvido del borrado, representando la fuerza de sus raíces romanas y su capacidad para sobrevivir en la historia. 

El maestro, profundamente implicado en la valorización del patrimonio arqueológico de Brescia desde 1957, se cuestiona la determinación de los orígenes en la historia y reivindica el papel fundamental de Brescia en este contexto. La obra de Isgrò dota a la ciudad de una historia autónoma e inconfundible, reconociendo el modo en el que Brescia ha protegido su pasado al tiempo que mantenía un diálogo constante con la contemporaneidad. El profundo vínculo de Brixia con la romanidad se celebra como una comunidad cultural y civil excepcional, reflejo de su condición de patrimonio de la UNESCO en un espacio arqueológico histórico. 

• CASTILLO DE BRESCIA 

"Scimpanzé” (Chimpancé), de Davide Rivalta, 2023 

 
Las esculturas animalier de Rivalta, creadas especialmente para el Castillo de Brescia con motivo de la exposición Sogni di gloria (Sueños de gloria), reproducen animales, fotografiados en parques zoológicos: cuerpos en cautividad, desarraigados de su entorno natural, a los que Rivalta devuelve dignidad y vida en un nuevo contexto. Las esculturas configuran la imagen de un mundo nuevo, en el que el paisaje creado por el hombre, el parque del Castillo que, entre otras cosas, fue el emplazamiento de un parque zoológico hasta 1988, se convierte en el territorio del animal, una especie de reino de simios antropomórficos. 

El grupo de chimpancés que quedó tras la conclusión de la exposición ocupa plácidamente la Fossa dei Martiri, en la zona norte del torreón visconteo. 

Estos primates toman posesión de los espacios, pero a veces expresan la intención de querer invadir otros nuevos, un deseo de conquistar y extender su dominio sobre el lugar. El título de la exposición, Sueños de gloria, hacía referencia precisamente a este impulso que sugieren las posturas de los animales y sus hipotéticos movimientos y trayectorias, a través de los cuales el espacio real se convierte también en el campo energético de la escultura.  

• CEMENTERIO MONUMENTAL VANTINIANO 

“Cacciati dal paradiso” (Expulsados del paraíso) por Giuseppe Bergomi, 2023 

La obra de Giuseppe Bergomi se erige como monumento conmemorativo a las víctimas del Covid-19 a lo largo de la avenida principal del cementerio Vantiniano. Esta obra, concebida y realizada por el célebre artista bresciano Giuseppe Bergomi, figura entre las creaciones más relevantes sobre el tema en el panorama artístico internacional. 

El artista ha moldeado seis figuras femeninas y seis masculinas en bronce negro, representándolas con la cabeza inclinada, desnudas y vulnerables, para representar la soledad inherente a la humanidad ante la adversidad, especialmente ante la fuerza devastadora de la pandemia y otros acontecimientos imprevistos que provocan sufrimiento y luto. 

En el núcleo central de la composición, aparecen dos figuras con un grito de dolor, recordando la iconografía de la "Expulsión de Adán y Eva del Paraíso terrenal", fresco pintado por Masaccio en la Capilla Brancacci, dentro de la iglesia de Santa María del Carmine de Florencia. Esta elección iconográfica confiere a la obra una intensidad simbólica que subraya el trágico destino compartido por las víctimas del virus y su lacerante separación de su armonía original.